Mit feinem Gespür für Materialien, einer tiefen Liebe zur Gestaltung und einem besonderen Blick für das Schöne erschaffen Vera Brannen und Rolf Claude unter dem Label Claude Brannen Schmuck- und Designobjekte, die irgendwo zwischen Kunst und Handwerk schweben. Ihre Stücke erzählen Geschichten von Jahrtausenden, von Natur, Zeit und Achtsamkeit. Im Gespräch erzählen die beiden, wie sie arbeiten, was sie antreibt – und warum jedes Objekt auch eine Begegnung ist. 

Wie kam es dazu, dass ihr euer eigenes Label Claude Brannen gegründet habt? 

Vera: „Ich mache seit über zehn Jahren Schmuck – anfangs einfach aus Leidenschaft. Mit der Zeit ist daraus etwas Gewachsenes entstanden, etwas, das sich richtig anfühlte. Irgendwann war klar: Jetzt ist es Zeit, etwas Eigenes zu gründen.“ 

Rolf: „Bei uns war das kein klassischer Business-Plan-Moment, sondern ein organisches Wachsen. Die Leidenschaft war einfach größer als alles andere.“ 

Viele eurer Objekte entstehen aus persönlicher Neugier oder aus einem eigenen Bedürfnis heraus. Wie schafft ihr es, dass sie auch andere Menschen ansprechen? 

Vera: „Das passiert eigentlich ganz natürlich. Wir holen uns viel Feedback – von Architekt:innen, Innenausstatter:innen, potenziellen Nutzer:innen. Gerade beim Peacock, unserer Leuchte, war das so. Es gibt zig Iterationen, bis es stimmig ist. Ich habe viele Jahre im Bereich Kundenorientierung gearbeitet, das hilft natürlich: Die Nutzerseite mitzudenken, ohne sich selbst zu verlieren.“ 

Rolf: „Und am Ende ist es immer eine Auseinandersetzung – mit uns selbst, mit anderen, mit dem Material.“ 

Apropos Material: Ihr arbeitet mit faszinierenden Stoffen – von Meteorit bis Mammut-Elfenbein. Was reizt euch daran besonders? 

Vera: „Das Mammut-Elfenbein ist für mich etwas ganz Besonderes. Es ist zehntausend Jahre alt – allein das macht ehrfürchtig. Wenn du es berührst, fühlt es sich warm, fast lebendig an. Die feinen Linien, die Farbe, die Geschichte, die darin steckt – das ist einfach faszinierend.“ 

Rolf: „Mich begeistern solche natürliche Materialien. Bei Meteoriten zum Beispiel spürt man diesen Hauch von ‚Outer Space‘. Du hältst ein Stück Sternschnuppe in der Hand – das inspiriert.“ 

Vera: „Und Tahiti und Südsee Perlen erst. Ihr großes Farbenspektrum, der tiefe Lüster, die barocken Formen – da komme ich ins Schwärmen, bei dieser organischen Eleganz.“

Woher nehmt ihr eure Inspiration für neue Arbeiten? 

Rolf: „Aus dem Leben, aus der Natur, aus kleinen Momenten. Heute Morgen hat Vera in ihren Tee geschaut und gesehen, wie der Dampf in der Sonne glitzert. Solche Details, dieses achtsame Sehen – daraus entstehen Ideen.“ 

Vera: „Ja, das passiert einfach. Auf Reisen, im Garten, in Museen oder in Gesprächen mit anderen Künstler:innen. Wir bleiben offen – Inspiration kommt, wenn man hinsieht.“ 

Wie läuft euer kreativer Prozess dann konkret ab? 

Vera: „Am Anfang steht entweder eine Idee oder ein Material. Beim Mammut-Elfenbein war es klar das Material, bei der ‚Tahiti-Perle‘-Kollektion die Idee. Ich arbeite oft wochenlang an einer Form, zeichne, denke, träume davon. Der eigentliche Designprozess ist dann fast tranceartig – ich bin komplett im Flow.“ 

Rolf: „Wir arbeiten sehr pingpongartig. Einer bringt etwas ein, der andere ergänzt. Am Ende wissen wir oft gar nicht mehr, von wem was kam. Aber genau das macht es spannend.“ 

Wie schafft ihr es, bei so viel Kreativität trotzdem fokussiert zu bleiben? 

Vera: „Ich habe zwei Jahrzehnte ein Unternehmen geführt – Struktur liegt mir im Blut. Wir trennen klar zwischen der neugierigen, kreativen Phase und der strukturierten Umsetzungsphase.“ 

Rolf: „Ja, in der kreativen Phase darf alles passieren. Da gibt’s keine Grenzen. Aber wenn es dann in die Umsetzung geht, sind wir sehr fokussiert – da zählt Präzision.“ 

Ihr habt unterschiedliche berufliche Hintergründe – Kunst und Soziologie auf der einen Seite, Ingenieurwesen auf der anderen. Wie beeinflusst das eure Zusammenarbeit bei Claude Brannen? 

Vera: „Ich bringe vielleicht das intuitive, gestalterische Gespür mit, Rolf eher die analytische und technische Seite.“ 

Rolf: „Das ergänzt sich perfekt. Sie denkt in Formen und Farben, ich in Systemen und Prozessen. Und so entsteht das, was wir beide schön finden.“ 

Euer gemeinsames Projekt, die Peacock-Leuchte, ist fast schon ein Symbol für eure Arbeit geworden. Warum liegt euch dieses Stück so am Herzen? 

Vera: „Weil es alles vereint: Material, Form, Funktion und Emotion. Drei Jahre Arbeit, unzählige Iterationen, viel Feedback – und am Ende ein Lichtobjekt, das Räume verändert.“ 

Rolf: „Ja, und auch die Herstellung war besonders: kaltverformter Stahl, handgebogen, handverpackt, alles in der Schweiz produziert. Jedes Detail trägt eine Geschichte. Wenn die Leuchte jetzt hängt, spürst du einfach, dass sich jede Mühe gelohnt hat.“ 

In den Schmuckstücken von Monoi liegt eine besondere Ruhe – eine stille Selbstsicherheit, geformt durch Präzision, Balance und Licht. Jedes Stück wirkt, als sei es direkt aus der Stille heraus gemeißelt: architektonisch und doch zutiefst menschlich, modern und zugleich zeitlos. Gegründet von den Geschwistern Maja und Marko Bacanin, entstand das Label aus einer gemeinsamen Leidenschaft für Form und einem tiefen Respekt vor traditionellem Handwerk. Aufgewachsen in der Schmuckwerkstatt ihrer Familie und mit einem Hintergrund in Architektur, schaffen die beiden Stücke, in denen Präzision auf Emotion trifft. Monois Philosophie beruht auf Reduktion – auf der Suche nach Schönheit durch Klarheit und den bewussten Einsatz von recyceltem Silber und Gold. 

Der Sprung von einem Experiment zu einem Vollzeit-Label ist groß. Wie hast du diesen Übergang erlebt, und welche unerwarteten Aufgaben oder Lektionen hast du dabei gelernt?

„Es war befreiend und demütigend zugleich. Anfangs führten wir Monoi parallel zu unseren Architekturjobs, der Wechsel war also allmählich. Als das Label uns zu tragen begann, wagten wir den Sprung – doch Freiheit bringt Verantwortung mit sich. Wir mussten schnell die geschäftliche Seite erlernen: Produktionsplanung, Preisgestaltung, Promotion. Kreativ hat sich nichts geändert; wir entwerfen immer noch aus Neugier. Aber die administrativen Aufgaben – Entscheidungen, die das Leben anderer betreffen – haben mir Geduld und Disziplin beigebracht. Ein eigenes Label zu führen, macht Freude, bedeutet aber auch, die Verantwortung für jede Entscheidung zu tragen.“

Eure Stücke wirken modern und zugleich handwerklich verwurzelt. Wie verbinden sich eure architektonische Ausbildung und die traditionellen Methoden eurer Familie beim Entwerfen?

„Sie sind untrennbar verbunden. Die Architektur gibt uns eine Sprache für Geometrie und Proportion; die Werkstatt der Familie lehrte uns die Materialwahrheit von Metall. Praktisch bedeutet das: Ein Entwurf beginnt mit einer klaren formalen Idee – einer Linie, einer Fläche, einem Winkel – und wird dann mit Techniken umgesetzt, die wir als Kinder gelernt haben. Ein Großteil unserer Produktion ist immer noch handgefertigt. Wir veredeln und recyceln Silber selbst, formen die Bleche, schneiden und polieren von Hand. Diese Mischung – disziplinierte, fast architektonische Klarheit kombiniert mit handwerklicher Materialkenntnis – verleiht jedem Stück seine eigene Stimme.“

Monoi ist zeitlos, nicht trendgetrieben. Was bedeutet Zeitlosigkeit für dich, und wie hängt das mit recycelten Metallen und nachhaltiger Arbeit zusammen?

„Zeitlosigkeit bedeutet für mich Unabhängigkeit von Jahreszeiten und flüchtigen Moden. Ein zeitloses Stück ist vielseitig: Es passt zu verschiedenen Stilen, lässt sich mit Erbstücken kombinieren und bleibt dabei ehrlich. Diese Langlebigkeit geht Hand in Hand mit unseren Materialentscheidungen. Wir kaufen kein neues Silber, sondern recyceln und veredeln vorhandenes Metall. Wenn ein Stück materiell und emotional langlebig ist, ist es automatisch nachhaltiger. Ich liebe die Vorstellung, dass unsere Ringe oder Halsketten weitergegeben werden; diese Kontinuität liegt sowohl im Herzen zeitlosen Designs als auch verantwortungsvoller Praxis.“

Euer Schmuck wirkt oft einfach, doch diese Einfachheit erfordert enorme Präzision. Welche technischen Herausforderungen stecken hinter dieser Klarheit, und gibt es ein Stück, das dir besonders am Herzen liegt?

„Einfachheit ist kompromisslos. Wenn eine Form auf eine klare Fläche oder eine präzise Kante reduziert ist, lässt sich kein kleiner Fehler verbergen. Polieren, Finish und Proportion müssen perfekt sein. Deshalb haben wir sehr spezifische Wege entwickelt, unsere Silberbleche herzustellen – bestimmte Stärken und Oberflächen, die zu unserer Geometrie passen – und dieses Produktionswissen ist einzigartig. Persönlich bedeutet mir der erste Ring, den ich gefertigt habe, ‚Lumen‘, am meisten. Er ist klein, zurückhaltend und das Stück, das ich täglich trage; er trägt die Erinnerung an den Anfang und erinnert mich daran, warum wir das tun.“

Ihr fertigt sowohl tragbare Alltagsstücke als auch skulpturale, auffällige Arbeiten. Wie entscheidet ihr, wann ihr einer kühnen Idee folgt, und wie reagieren Kunden auf Unerwartetes?

„Wir folgen dem, was uns interessiert, nicht einem strikten Plan. Manchmal wirkt ein einfacher Ring vollkommen; manchmal zieht uns eine längere, skulpturale Linie an, und wir setzen sie um. Manche Stücke sind für den Alltag gemacht, andere für Momente, in denen man gesehen werden möchte. Die schöne Überraschung war, wie viele unterschiedliche Menschen sich mit unserer Arbeit verbinden. Wir dachten, unser Publikum wären vor allem Designer und Architekten, doch Menschen aus allen Bereichen finden unsere Stücke bedeutungsvoll. Sie kombinieren sie mit altem Schmuck, tragen sie auf neue Weise; die Reaktionen zeigen, dass ein starkes, ehrliches Design-Teil vieler Leben werden kann.“

Ihr seid wieder auf der BLICKFANG in Wien vertreten. Was schätzt ihr an Messen wie Blickfang, und wie beeinflusst der direkte Austausch mit den Menschen eure Arbeit?

„Messen sind kostbar – die wenigen Momente, in denen wir die Werkstatt verlassen und die Menschen treffen können, die unserem Schmuck Bedeutung geben. Die BLICKFANG letztes Jahr war warmherzig und neugierig; die Besucher kamen mit offenen Augen, und wir lernten viel über Passform, Maßstab und Wünsche. Dieses direkte Feedback ist unbezahlbar. Wenn viele Besucher beispielsweise eine bestimmte Halskettenlänge oder Ringproportion ansprechen, hören wir zu und passen an. Für die Messe bereiten wir uns sorgfältig vor; wir bringen sowohl neue Ideen als auch bewährte Stücke mit und freuen uns auf die Gespräche genauso wie auf den Austausch selbst.“

Rückblickend – was macht Monoi deiner Meinung nach wirklich besonders im Vergleich zu anderen zeitgenössischen Schmucklabels?

„Ich denke, es ist die Kontrolle und Sorgfalt von Anfang bis Ende. Wir stellen unsere Bleche selbst her, veredeln das Metall, formen und vollenden jedes Objekt von Hand. Proportionen und Oberflächen sind bis ins letzte Detail bedacht. Dadurch haben unsere Stücke eine erkennbare Stille – eine Präzision, die wie ein Markenzeichen wirkt. Kombiniert mit unserem Engagement für recycelte Materialien und der Werkstatttradition unserer Familie entsteht etwas, das einfach, aber hart erarbeitet ist: minimalistisch, aber niemals beiläufig.“

Mit Liebe zum Handwerk, einem Gespür für Minimalismus und einer klaren Vision für bewusstes Leben gestalten Jonas und Christoph von finbeaux Produkte, die nicht nur Räume verschönern, sondern Menschen begleiten. Im Interview erzählen sie, was hinter ihren ‚soulmade‘ Objekten steckt, welche Inspirationen sie antreiben – und warum jedes Detail eine kleine Einladung ist, innezuhalten und bewusst zu leben. 

Jonas und Christoph, ihr kommt beide aus dem Tischlerhandwerk. Wie hat euch dieser Hintergrund bei der Gründung von finbeaux geprägt – handwerklich, aber auch in eurer Haltung zum Design? 

Jonas: „Das Tischlerhandwerk hat uns auf zweierlei Weise geprägt. Einerseits haben wir durch die Arbeit in hochwertigen Betrieben einen großen Erfahrungsschatz gesammelt – in Materialkunde, Verarbeitung, Prototypenbau und im Umgang mit verlässlichen Zulieferern. Das hilft uns heute enorm, wenn wir Ideen wirklich umsetzen wollen. 

Andererseits mussten wir lernen, diese handwerkliche Schule im Entwurfsprozess auch mal auszuschalten. Zu lösungsorientiertes Denken kann die gestalterische Freiheit blockieren. Und das loszulassen – das ist gar nicht so einfach. Aber genau da beginnt das echte Design.“ 

Was inspiriert euch? Gibt es Menschen, Orte oder Erlebnisse, die finbeaux geprägt haben? 

Christoph: „Unsere größte Inspiration ist das Leben selbst – Begegnungen, Gespräche, die Momente dazwischen. Wir leben hier am Nordzipfel des Rheins, zwischen Wasser, Wind und Weite – da schwingt etwas Skandinavisches mit. Diese Ruhe und Klarheit, wie man sie etwa bei Carl Hansen oder Moebe findet, spricht uns sehr an. Es ist dieser warme Minimalismus, der nicht kühl, sondern menschlich wirkt. Design darf für uns nie nur Oberfläche sein – es soll berühren, Halt geben, vielleicht sogar heilen.“ 

Jonas: „Und viele Ideen kommen uns draußen, in der Natur. Nichts ist für mich belebender als frische Luft und Bewegung. Gleichzeitig entstand finbeaux auch aus einem inneren Wandel – aus dem Wunsch heraus, etwas zu schaffen, das Menschen stärkt. Weg vom reinen Arbeiten hin zu Sinn und Wirkung.“ 

Ihr sprecht vom „Mut zum Neuanfang“ – eine Haltung, die sich in euren Produkten deutlich spüren lässt. Welche Rolle spielt dieser Mut im kreativen Prozess? 

Christoph: „Mut und Glaube gehören für uns zusammen. Am Anfang eines Entwurfs sind wir mutig, probieren aus, denken groß. Aber irgendwann kommt der Moment der Entscheidung: Mit welchem Modell gehen wir ins Rennen? Da braucht es Glauben – an sich selbst, an die eigene gestalterische Qualität. Natürlich gibt es Tage, an denen alles großartig ist, und Tage voller Zweifel. Dann hilft nur reden, reflektieren, weitermachen. Wir erinnern uns gegenseitig daran, was wir schon erreicht haben, und fokussieren uns auf das Positive. Wie Bob Proctor sagt: ‚Du bist nicht besser als irgendjemand – aber keiner ist besser als du.‘“ 

Und wie übertragt ihr diesen Gedanken an Mut und Achtsamkeit in eure Produkte? 

Christoph: „Unsere Produkte sind wie kleine Anker im Alltag. Sie erinnern dich daran, kurz innezuhalten, zu reflektieren oder einfach freundlich mit dir selbst und anderen zu sein. 

Nehmen wir GIVE! Als Beispiel – die Idee dahinter ist, dass Geben immer auch etwas zurückbringt. Wenn du in einer angespannten Situation bist und dich bewusst entscheidest, mit Ruhe und Verständnis zu reagieren, verändert das den Moment. Unsere Produkte stehen genau dort, wo das Leben passiert – in der Küche, im Wohnzimmer, im Büro – und geben dir diesen stillen Impuls, dich wieder mit dem Wesentlichen zu verbinden.“ 

Jonas: „Design ist für uns eine Haltung. Wir gestalten Objekte, die nicht nur schön aussehen, sondern begleiten sollen – mit Bewusstsein und Zuversicht. So wird Design zu etwas, das stärkt und dich jeden Tag ein Stück näher zu dir selbst bringt.“ 

Eure Produkte nennt ihr „soulmade“. Was bedeutet das für euch? 

Christoph: „Es klingt vielleicht esoterisch, aber wir glauben, dass alles Energie ist. Wir sind spirituelle Wesen in einem menschlichen Körper – und wenn man sich auf diese feinen Frequenzen einlässt, passiert Magisches. Viele unserer Ideen entstehen nach Meditationen. 

Soulmade bedeutet für uns: Unsere Produkte sind mit dieser Energie durchdrungen. Sie sind klar in der Form, minimalistisch im Design, aber sie tragen Dynamik in sich – Vertrauen, Bewegung, Energie.“ 

Jonas: „Soulmade heißt für uns, dass ein Objekt Seele hat. Wenn du es berührst, spürst du, dass es mit Bewusstsein entstanden ist – und genau das macht es besonders.“ 

Eure Designs wirken zeitlos und bewusst zurückhaltend. Wie steht ihr zum Thema Langlebigkeit – und welche Haltung steckt für euch hinter Nachhaltigkeit? 

Christoph: „Für uns bedeutet gutes Design auch Verantwortung. Wir leben in einer Zeit des Überflusses – und genau deshalb möchten wir Objekte schaffen, die bleiben. Dinge, die man nicht nur benutzt, sondern mit denen man lebt.“ 

Jonas: „Wir arbeiten fast ausschließlich mit Holz – ein Material, das wächst, altert, Geschichte trägt. Wenn du so ein Stück in der Hand hältst, spürst du: Das ist etwas, das bleibt.

Sprache spielt bei euch eine große Rolle – viele eurer Produkte tragen Verben als Namen: TRY!, GROW!, REFLECT! Warum? 

Christoph: „Sprache ist für uns Ausdruck von Bewusstsein – und zugleich eine Form von Gestaltung. In einer Zeit, in der Kommunikation oft verkürzt und automatisiert ist, möchten wir Worte wieder mit Bedeutung füllen. 

Verben sind dabei unsere Lieblingsworte, weil sie für Bewegung stehen. Veränderung geschieht nur durch Tun – und genau diese Energie möchten wir transportieren. Jedes Wort, ob TRY!, GROW! oder REFLECT!, ist wie ein kleiner Impuls, der dich erinnert, aktiv zu werden, zu reflektieren, oder einfach weiterzugehen. Sprache ist für uns Kunst – und Teil unseres Designs.“ 

Gibt es ein Produkt, das euch persönlich besonders am Herzen liegt? 

Christoph: „FLY! – unser Vogelhaus. Die Idee entstand in einem kleinen Dorf in der Normandie, Sotteville. Ich saß dort mit meinem Vater vor einem Bistro, sah Schwalben über die Dächer fliegen und zeichnete die Form auf einen Bierdeckel. Zwei Jahre später hielt ich das fertige Produkt am Strand in der Hand – und wusste: Das ist unsere Richtung. Es war der Beginn von finbeaux.“ 

Jonas: „Für mich ist es der Spiegel REFLECT!. Die beschreibbare Rückseite lädt dich ein, Gedanken oder Affirmationen zu notieren. Es ist ein stilles, poetisches Objekt – und das liebe ich daran.“ 

Auf der BLICKFANG trefft ihr bald euer Publikum. Worauf freut ihr euch am meisten? 

Jonas: „Wir freuen uns vor allem auf die Begegnungen. Uns geht es nicht ums reine Verkaufen, sondern um den Austausch – um das ehrliche Gespräch mit Menschen, die sich für Design begeistern. Wir möchten hören, was unsere Produkte bei ihnen auslösen, welche Gedanken sie damit verbinden. Und vielleicht erreichen wir jemanden, der sich selbst wieder ein Stück näherkommt. Das wäre das Schönste überhaupt.“ 

In einer Welt, die von Trends, Schnelligkeit und Überfluss geprägt ist, schafft Anna Z’Brun mit ihrem Label les solides einen ruhigen Gegenpol. Ihre Schmuckstücke erzählen von Zeitlosigkeit, handwerklicher Präzision und einer Haltung, die über Ästhetik hinausgeht. Entstanden auf Bali und veredelt in der Schweiz, vereint les solides kulturelle Sensibilität mit einer klaren, minimalistischen Formsprache. Im Interview spricht die Designerin über den Mut zur Reduktion, das Vertrauen in den Prozess – und darüber, warum wahre Schönheit nichts mit Perfektion zu tun hat. 

Du hast les solides im Jahr 2017 gegründet. Was war der Ausgangspunkt für deine Entscheidung, ein eigenes Schmucklabel zu starten, und was waren die ersten Schritte auf diesem Weg?

Eigentlich begann alles mit Möbeln auf Bali. Ich war schon immer fasziniert von Materialien, Metallen und Dekoration. Schmuck habe ich zunächst für mich selbst von einem lokalen Handwerker anfertigen lassen – vor allem, weil mich die Qualität vieler Stücke auf dem Markt enttäuschte, insbesondere bei der Vergoldung. Immer wieder wurde ich auf meinen Schmuck angesprochen, und da ich ohnehin etwas, das meinen eigenen Werten entspricht, in die Schweiz bringen wollte, begann ich, in kleinen Mengen bei einem balinesischen Familienunternehmen zu produzieren und die Stücke in die Schweiz zu importieren. So entstand nach und nach les solides.

Vor dem Schmuckdesign hast du auch andere Designfelder wie Möbeldesign oder Taschenherstellung ausprobiert. Kannst du dazu etwas mehr erzählen?

Ich verbrachte zwei Jahre auf Bali und startete dort verschiedene Projekte, um über die Runden zu kommen. Ich mietete eine Villa und baute für diese mit lokalen Produzent:innen Möbel und Einrichtungsgegenstände. Durch die Untervermietung einiger Zimmer konnte ich mir ein stabiles Einkommen sichern und begann, Möbel für lokale Hotels und Cafés herzustellen.

Da Möbel jedoch schwer in die Schweiz zu bringen sind, suchte ich nach einem handlicheren Produkt – und so entstand die erste Kollektion hochwertiger Ledertaschen unter dem Label les solides. Als meine Mutter in Bern immer wieder auf diese Taschen angesprochen wurde, begann ich, sie in der Schweiz zu verkaufen.

Über die Jahre lernte ich auf Bali viele lokale Handwerker:innen kennen – darunter ein Familienunternehmen, das sich auf Edelmetallverarbeitung spezialisiert hat. Fasziniert von deren Kunst, begann ich mit Wachsmodellen zu experimentieren und erste Schmuckstücke herzustellen. Die Resonanz auf meine ersten Designs, die ich an einem Weihnachtsmarkt in der Schweiz zeigte, war überwältigend – das war der Beginn meiner Schmucklinie. Heute arbeiten rund 22 Handwerker:innen auf Bali für les solides und fertigen neue sowie bewährte Designs in sorgfältiger Handarbeit.

Bali spielt eine zentrale Rolle in deiner Produktion. Was hat dich ursprünglich dorthin gezogen, und warum hast du dich entschieden, dort zu produzieren?

Nach meiner Matura reiste ich mit meiner Familie nach Bali – ein kurzer Urlaub, der für mich zu kurz war. Ich verlängerte spontan, um die Insel alleine zu erkunden, Freundschaften zu schliessen und die Kultur abseits des Tourismus kennenzulernen.

Später kehrte ich zurück, arbeitete vor Ort an Grafik- und Interior-Projekten für Hotels und Cafés und genoss die Balance zwischen Arbeit und Leben. Während meines Studiums an der Zürcher Hochschule der Künste entschied ich mich schliesslich, mein Austauschsemester nicht in Rio, sondern wieder auf Bali zu verbringen.

Die Kultur und die Handwerkskunst dort haben mich tief beeindruckt. Natürlich bringt die Produktion auch Herausforderungen mit sich – die balinesische Arbeitsweise unterscheidet sich stark von der europäischen. Aber über die Jahre sind enge, vertrauensvolle Beziehungen entstanden, und genau das macht *les solides* für mich besonders.

Du pflegst eine sehr persönliche Beziehung zu deinen Produzenten. Wie beeinflusst das die Qualität und den Designprozess?

Ich weiss genau, welcher Handwerker welches Stück gefertigt hat. Diese Nähe schafft Vertrauen und gegenseitigen Respekt. Wenn die Qualität stimmt, muss weniger korrigiert werden – das spart Zeit und stärkt die Zusammenarbeit. Natürlich muss man auch Grenzen setzen, damit es professionell bleibt, aber insgesamt fühle ich mich in meiner Vision sehr unterstützt.

Nachhaltigkeit spielt eine grosse Rolle bei les solides. Wie stellst du sicher, dass deine Materialien fair und hochwertig sind – und warum wird die Vergoldung in der Schweiz gemacht?

Die Vergoldung findet in der Schweiz statt, weil wir hier mit Fairtrade- und recyceltem Gold arbeiten. Auf Bali ist das Thema zertifizierte Edelmetalle weniger etabliert, daher war mir wichtig, diesen Schritt zu verlagern. Das Silber hingegen beziehen wir weiterhin lokal, da es dort in guter Qualität erhältlich ist.

Roger Furrer ist Brand Curator und Gründer von Studio Lookout, einer Plattform für Design, Architektur und gesellschaftliche Transformation. Nach zehn Jahren als Global Director bei LAUFEN Bathrooms kuratiert er heute Projekte an der Schnittstelle von Marke, Kultur und Kreislaufdenken. Mit seinem Ansatz als „Chief Design Officer as a Service“ schafft er Räume für Verbindungen, Inspiration und neue Perspektiven – von Care-Initiativen bis zu internationalen Designformaten.

1. Was macht für dich zeitgemäßes und relevantes Design aus?

Für mich ist Design zeitgemäss und relevant, wenn es mehr ist als Form und Funktion. Es muss Resonanzräume schaffen – zwischen Menschen, Materialien und Kontexten. Relevantes Design denkt in Kreisläufen, respektiert Herkunft und Ressourcen und bleibt zugleich offen für neue Perspektiven. Es verbindet Haltung mit Wirtschaftlichkeit und erzählt eine Geschichte, die über den Moment hinaus Bestand hat.

2. Welches Designstück oder Label hat dich in letzter Zeit besonders inspiriert – und warum?

Projekte, die aus Tradition Zukunft formen, faszinieren mich. Ein Beispiel ist der Schweizer Rosshaarmatratzenhersteller und Designer Daniel Heer, der in Berlin zeigt, wie Handwerk und Haltung ineinandergreifen können. Hier verbinden sich Handwerk, Materialwissen und kulturelles Gedächtnis zu einem Produkt, das in unserer Gegenwart wieder Sinn macht. Solche Arbeiten zeigen, wie Design Identität stiften und zugleich nachhaltig wirken kann.

3. Wo siehst du die spannendsten Entwicklungen im Möbel- bzw. Mode-Design der kommenden Jahre?

Im Spannungsfeld von Kreislaufwirtschaft, Bioregionalität und Inklusivität. Möbel und Mode werden nicht mehr als fertige Objekte gedacht, sondern als Teil größerer Systeme – von Materialkreisläufen über lokale Wertschöpfung bis hin zu sozialer Verantwortung. Spannend wird es dort, wo Design nicht nur Produkte hervorbringt, sondern ganze Lebensweisen neu denkt.

4. Die BLICKFANG ist für die Designszene hier wichtig, weil…

…sie eine Brücke schlägt zwischen Designer:innen, Produzent:innen und Publikum. Sie schafft Sichtbarkeit für unabhängige Labels und macht die Vielfalt zeitgenössischen Designs erfahrbar – nicht im geschlossenen Elfenbeinturm, sondern mitten in der Stadt, mitten im Leben.

5. Welchen Rat gibst du jungen Designer:innen mit auf den Weg?

Habt Mut, euren eigenen Weg zu gehen, und verliert dabei nie die Haltung. Beobachtet genau, was Menschen wirklich bewegt, und bleibt neugierig auf andere Disziplinen – denn die spannendsten Ideen entstehen oft an den Schnittstellen. Und: Versteht Design nicht nur als Objekt, sondern als Möglichkeit, Verbindungen und neue Perspektiven zu schaffen.

Mit ihren unkonventionellen Kreationen schlägt Simone Züger eine Brücke zwischen Kunst und Design, sichtbar in Werken von Malerei über Wohnobjekte bis hin zu textilen und raumgreifenden Installationen. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Galerie und Wohnraum, zwischen Funktion und Poesie – sinnlich, skulptural und voller Haltung. Die gebürtige Appenzellerin lebt und arbeitet in Zürich, wo sie 2015 ihr eigenes Designstudio gründete und neben Kundenprojekten eigene künstlerische Arbeiten realisiert. Seit Beginn ihrer Karriere ist Simone Züger eine Aktivistin für Gleichberechtigung: Sie initiierte eine Gesprächsreihe zur Vernetzung von Frauen in der Kreativwirtschaft, war im Vorstand der Medienfrauen Schweiz tätig und ist Mitgründerin des Fintech-Startups ellexx, das Frauen den Zugang zu Finanzthemen erleichtert.

1. Was macht für dich zeitgemäßes und relevantes Design aus?

Zeitgemässes Design trägt Verantwortung – gegenüber der Gesellschaft, der Umwelt und den Menschen, die damit leben. Nachhaltigkeit ist für mich kein Trend, sondern eine Haltung. Relevantes Design erfüllt nicht nur eine Funktion, sondern berührt auch die Seele. Mich interessiert es, jenseits gängiger Strömungen Leben in die Umgebung von Menschen zu bringen. Ich spiele gerne mit der Balance zwischen Funktion, Ästhetik und Emotion – unabhängig vom Material oder Medium. Ein gutes Designobjekt darf ruhig ein Liebhaberobjekt sein, das Menschen über lange Zeit begleitet.

2. Welches Designstück oder Label hat dich in letzter Zeit besonders inspiriert – und warum?

Ich bin von sehr talentierten Designer:innen in meinem Umfeld umgeben – zum Beispiel von der Keramikkollaboration zwischen Mara Tschudi und PUUL Ceramics. Ihre Arbeit zeigt, wie sensibel Materialität, Farbe und Form ineinandergreifen können. Diese Verbindung von Kunst, Handwerk und emotionalem Ausdruck berührt mich – weil sie zeigt, wie Design Poesie und Funktion zugleich sein kann.

3. Wo siehst du die spannendsten Entwicklungen im Möbel- bzw. Mode-Design der kommenden Jahre?

Ich wünsche mir eine Bewegung hin zu mehr Individualität, Charakter und Eigensinn – weg von der Massenproduktion. Wohnräume und Objekte brauchen Persönlichkeit, um den vielfältigen Lebensstilen gerecht zu werden. Zu viele Einrichtungen sehen gleich aus. Je mehr Poesie, Haltung und Eigenwilligkeit ein Entwurf zulässt, desto lebendiger und vielfältiger wird die gestaltete Welt.

4. Die BLICKFANG ist für die Designszene hier wichtig, weil…

…sie Raum schafft, um Neues zu entdecken, sich zu zeigen, auszutauschen und voneinander zu lernen. Sie bringt Designer:innen, Hersteller:innen und Konsument:innen auf eine sehr persönliche Art zusammen – jenseits des anonymen Onlinehandels. Das macht sie zu einem wichtigen Ort für Begegnung, Inspiration und Gemeinschaft.

5. Welchen Rat gibst du jungen Designer:innen mit auf den Weg?

Den Mut haben, Vertrautes zu verlassen und ins Unbekannte einzutauchen – denn nur so wird das Leben und das Gestalten zum Abenteuer. Kennt eure Werte, eure Stärken und auch eure Schwächen. Der Designprozess ist immer auch ein persönlicher Entwicklungsprozess: Wir formen nicht nur Objekte, wir formen uns selbst. Je besser man sich kennt, desto klarer wird die eigene Haltung – und darin liegt die Kraft, wirklich Neues und Eigenes zu schaffen.

Mit EINZIGART eröffnete Martin Meyer vor fast zwanzig Jahren einen der ersten Concept Stores Zürichs – und schuf damit einen Ort, an dem Design, Qualität und Zugänglichkeit aufeinandertreffen. Was einst mit eigenen Produkten begann, ist heute eine feste Größe für stilvolle Wohnaccessoires und Möbel, oft mit skandinavischem Einfluss und Fokus auf Langlebigkeit.

Neben den Zürcher Standorten ist EINZIGART inzwischen auch in Luzern und Aarau vertreten. Martins Anspruch bleibt dabei derselbe: ehrliche Nachhaltigkeit, ein herzliches Einkaufserlebnis und ein Sortiment, das inspiriert – ganz im Sinne des Namens: einzigart.

1. Was macht für dich zeitgemäßes und relevantes Design aus?

Zeitgemässes Design soll langlebig und nachhaltig sein, in der Herstellung und im Design.

2. Welches Designstück oder Label hat dich in letzter Zeit besonders inspiriert – und warum?

Phantom Hands produziert in Bangalore handgefertigte Möbel aus dem Projekt Chandigarh, einer Hommage an die modernistischen Möbel, die von einem Kollektiv unter der Leitung von Pierre Jeanneret für die Stadt Chandigarh entworfen wurden.

3. Wo siehst du die spannendsten Entwicklungen im Möbel- bzw. Mode-Design der kommenden Jahre?

Die Nachfrage nach hochwertigen und handgefertigten Möbel oder Objekte findet vermehrt wieder Anklang.

4. Die BLICKFANG ist für die Designszene hier wichtig, weil…

…sie jungen Designer:innen eine gut besuchte Plattform bietet.

5. Welchen Rat gibst du jungen Designer:innen mit auf den Weg?

Immer dranbleiben und seinen Weg verfolgen. Design muss nicht nur schön sein sondern auch funktional – super normal.

Patrick Pierazzoli wurde am 24. Oktober 1966 in London geboren und wuchs in der Schweiz auf. Er ist verheiratet und hat eine Tochter. Bis 1995 arbeitete er in der elterlichen Mode-Großhandelsfirma, bevor er 1997 gemeinsam mit seinem Bruder eine Agentur für Webdesign und Online-Marketing gründete. Nach dem Verkauf der Agentur im Jahr 2001 erfüllten sich die beiden einen lang gehegten Jugendtraum und riefen das Magazin FACES ins Leben. Bis heute ist Patrick Pierazzoli Chefredakteur des Magazins, das monatlich mit eigenen Ausgaben in der Schweiz, Deutschland und Österreich erscheint – sowie mit einer internationalen, englischsprachigen Ausgabe, die weltweit vertrieben wird.

1. Was macht für dich zeitgemäßes und relevantes Design aus?

Zeitgemäßes und relevantes Design zeichnet sich für mich durch drei eng miteinander verwobene Dimensionen aus: Haltung, Kontext und Sinnlichkeit.

Relevantes Design hat immer eine klare innere Haltung. Es entsteht nicht aus dem Wunsch, „schön“ zu sein, sondern aus dem Bedürfnis, etwas Bedeutsames zu schaffen. Designer müssen Position beziehen, zu Nachhaltigkeit, Ethik, sozialer Verantwortung oder technologischer Innovation. Ein Objekt ohne Haltung ist austauschbar.

Zeitgemäßes Design versteht den Kontext, in dem es entsteht. Es reagiert auf gesellschaftliche, ökologische und technologische Entwicklungen. Es ist nicht nostalgisch, sondern resonant – es schwingt mit seiner Zeit mit, ohne ihr blind zu folgen.

Und schließlich braucht Design Sinnlichkeit. Diese subtile Verbindung aus Material, Proportion, Haptik und Emotion, die ein Objekt „lebendig“ macht.
Zeitgemäßes und relevantes Design ist kein Stil, sondern eine Haltung zur Welt. Es ist bewusst, verantwortungsvoll, poetisch, und vor allem menschlich.

2. Wo siehst du die spannendsten Entwicklungen im Möbel- bzw. Mode-Design der kommenden Jahre?

Alles wird spannend in den kommenden Jahren. Digitale Tools und KI verändern das Design fundamental, und das nicht nur in der Entstehung: digitale und physische Welten verschmelzen zunehmend. 

Mode- und Möbeldesign befinden sich an einem Wendepunkt: Weg vom reinen Objektdenken, hin zu Systemen, Ritualen und Atmosphären. Wir erleben ein radikales Umdenken in der Materialkultur. Und man sieht eine Rückkehr zur taktischen Sinnlichkeit: weniger Dekor, mehr Atmosphäre. Mode und Möbel werden wieder zu Trägern von Werten: Zeit, Herkunft, Handwerk und Verantwortung zählen.

Insgesamt wird das Design der kommenden Jahre weniger um Objekte, als um Haltungen kreisen. Es wird leiser, intelligenter, zirkulärer, und menschlicher.

Die relevantesten Designerinnen und Designer verstehen heute, dass Gestaltung ein kultureller Akt ist – eine Sprache, um über Gesellschaft zu sprechen. 

3. Die BLICKFANG ist für die Designszene hier wichtig, weil…

Design entsteht nicht im luftleeren Raum, sondern im Gespräch zwischen Menschen, Disziplinen und Generationen. Begegnung und Dialog sind das soziale Fundament des Designs. Regionale Messen und Märkte schaffen genau diesen Raum des Austauschs, den kein Algorithmus ersetzen kann. Sie verbinden globale Trends mit lokaler Substanz, schaffen Nähe, fördern Vielfalt und halten Design als soziales Gebilde lebendig.

Man könnte meinen, physische Designmessen oder lokale Märkte hätten in einer globalisierten, digital vernetzten Welt an Bedeutung verloren, aber das Gegenteil ist der Fall: sie sind essentiell für die Vitalität, Glaubwürdigkeit und Identität der Designszene.

4. Welchen Rat gibst du jungen Designer:innen mit auf den Weg?

Entwickle eine Haltung, keinen Stil. Viele beginnen und wollen „ihren Stil“ finden. Doch Stil ist das Ergebnis, nicht der Anfang. Wenn du weißt, wofür du gestaltest, was du glaubst, welche Welt du mitgestalten willst, dann ist eine klare Haltung ist wie ein innerer Kompass und hilft dir, Entscheidungen zu treffen, auch wenn der Markt laut oder unübersichtlich wird. Wenn du Haltung hast, formt sich Stil von selbst: glaubwürdig, natürlich, eigen.

🎧 Podcast-Tipp: Studio Lookout Salon x BLICKFANG Zürich

Wie sieht gute Gestaltung im Jahr 2025 aus – zwischen Markt, Haltung und Identität?
In einer neuen Folge des Studio Lookout Salon Podcasts, produziert in Kooperation mit der BLICKFANG Zürich, diskutieren Host Roger Furrer (Brand Curator, Studio Lookout, Jury BLICKFANG Zürich 2025), Designerin Simone Züger (Simone Züger Design Studio, Jury BLICKFANG Zürich 2025) und Daniel T. Maurer (CEO WOGG) über die Verantwortung, Sinnlichkeit und Zukunftsfähigkeit von Design als kulturelle Praxis.

Die Folge wirft einen inspirierenden Blick hinter die Kulissen des zeitgenössischen Designs:
über Haltung und Materialwahl, über Reduktion als ästhetischen wie ethischen Akt, über die Verbindung von Handwerk und Technologie – und darüber, warum gutes Design leise spricht, aber lange bleibt.

Der Gedanke, ein Minitrampolin aus Holz neu zu denken, klingt simpel – doch hinter Arpina steckt eine tiefgehende Leidenschaft für ehrliche Materialien, Innovation und echte Handwerkskunst. Silvan, Maschineningenieur mit Hang zum Holzbau, erzählt, wie aus einer Alltagsidee und vielen Stunden in der Werkstatt ein außergewöhnliches Produkt wurde. 

Alles beginnt mit Alltag und Neugier 

„Wir nutzen Trampoline seit Jahren privat – sie sind gesund und machen Spaß, doch das Design gefiel mir nie. Die meisten Modelle waren aus Metall, standen immer im Weg und sahen einfach nicht schön aus,“ erinnert sich Silvan. „Ich wollte etwas schaffen, das funktioniert, langlebig ist und auch zuhause Freude macht. Den grössten Wert für Menschen entfalten Trampoline dann, wenn sie langfristig präsent sein dürfen und damit spontan genutzt werden. Ich glaube da liegt ein besonderer Wert unseres Produkts: ein Trampolin, das zugleich Möbel ist und bleiben darf.“ 

Innovation mit Patent: Die reine Gummifederung 

Ein Meilenstein der Entwicklung war das eigens patentierte Gummifederungssystem. „Wir wollten ein Trampolin, das möglichst große und ergonomische Trainingsfläche bietet – ohne störende Bauteile wie Klammern oder Metallhaken. Nur Gummi, von Rand zu Rand, und einfach austauschbar. Das macht unser Trampolin einzigartig langlebig: Verschleißteile wie Gummis kann jeder Kunde ganz leicht selbst tauschen.“ 

Nachhaltigkeit, Langlebigkeit und Vielseitigkeit 

Neben Massivholz und Ergonomie setzt Arpina konsequent auf regionale Materialien, sortenreine Bauteile, durchdachte Verbindungen und einen offenen Reparaturansatz. „Unsere Möbel sollen nicht weggeworfen werden, sondern einfach gepflegt und repariert. Dazu zählen waschbare Matten, austauschbare Einzelteile und Rohstoffe mit klarer Herkunft. Wir wissen oft noch, von welchem Baum das Holz stammt. Wir fertigen sie in klassischer Handarbeit und verbinden die einzelnen Ringsegmente mit präzisen Schwalbenverbindungen. Oft entstehen dabei spontan auch Einzelstücke, aus fast weißem Bergahorn oder besonders gemaserter Kern – Esche“ erläutert Silvan. Die Fertigung ist möglichst lokal im Toggenburg.  

Die Beinrohlinge stellt das Johanneum im Obertoggenburg her. Eine Institution, die Arbeitsplätze für besondere Menschen schafft. Das Finish und die Endmontage aller Produkte ist immer in Amden, wo sie seit rund 4 Wochen ein Studio eröffnet haben, der als Werkraum, Showroom, Office und einfaches für alles dient, was nicht Holzspäne und Staub gibt.  

Ein Produkt, viele Gesichter 

An der BLICKFANG sorgt Arpina für Staunen und ein Lächeln. „Das Schönste ist, wie vielfältig die Nutzung ist: Für manche ein Trainingsgerät, für andere Sessel, Spielplatz oder Statement-Piece – sogar der Hund hat es schon für sich entdeckt. Was daraus wird, entscheiden die Nutzer:innen selbst. Silvan lächelt: „Genau das macht uns am meisten Spaß. Wir haben unsere Ideen, aber die Menschen machen Arpina zu ihrem ganz eigenen Möbel. Unsere Arbeit ist relativ introvertiert, die Blickfang im Frühling war das Gegenteil davon und ein grosse Bereicherung und Motivation für uns. Merci nochmals für eure tolle Begleitung und den schönen Standplatz.“ 

Manche Erfolgsgeschichten beginnen nicht mit einem Businessplan, sondern mit einem Handarbeitsprojekt. So war es auch bei Judith, gelernte Grafikerin und Gründerin des Labels tief im wald. Aus einem Handschuhschnittmuster aus den 70er Jahren entwickelte sie ein farbenfrohes, modernes Accessoire. Was als Hobby begann, wurde zum kleinen, feinen Label, das heute in Magazinen wie VOGUE und ELLE erscheint.

Der Kern von tief im wald liegt in seinen Werten: Upcycling von Lederresten, handgearbeitete Unikate, die Zusammenarbeit mit geflüchteten Frauen in Franken und eine unverkennbare Farbästhetik. Im Interview spricht Judith über ihre kreative Reise, ihre Designphilosophie und warum Handarbeit für sie unverzichtbar ist.

Judith Feyertag, Gründerin von tief im wald

Farben spielen bei deinen Handschuhen eine besondere Rolle. Was inspiriert dich bei der Farbauswahl?

Ich komme aus der Grafik und habe dadurch ein natürliches Gespür für Farben. Wenn ich eine Farbe sehe, habe ich sofort eine Idee für eine Kombination, das passiert ganz intuitiv. Kund:innen bringen auch oft eigene Wünsche mit ein zum Beispiel Handschuhe passend zum Lieblingsmantel. Das mache ich gern. Ob ich gelbes oder blaues Garn nehme, ist mir dabei ganz egal – Hauptsache, es passt und macht Freude.“

Du arbeitest ausschließlich mit hochwertigen Lederresten – warum war dir diese Entscheidung für nachhaltige Materialien von Anfang an so wichtig?

Wir kaufen für tief im wald sogenannte Überschussproduktionen auf. Wenn große Labels Lederwaren herstellen lassen, bestellen sie in den Gerbereien immer etwas mehr Material, da Fell ein Naturprodukt ist und Unregelmäßigkeiten aufweisen kann. Was die großen Firmen dann nicht verwenden, diesen Überhang, kaufen wir auf. Wir haben dadurch natürlich auch keine festen, jährlichen Kollektionen, sondern ein kunterbuntes Angebot. Wenn ein bestimmtes Fell alle ist, dann ist es einfach alle und wird nicht nachproduziert. Dieses Vorgehen möchte ich unbedingt beibehalten, weil es ressourcenschonend und nachhaltig ist. Das Fell, das wir dabei hauptsächlich verwenden, ist Lamm- und Schafsfell, manchmal auch Ziegenfell.

Deine Handschuhe entstehen ausschließlich in Handarbeit. Kannst du uns erklären, warum das so ist?

Es gibt tatsächlich keine Häkelmaschinen, die für unsere Handschuhe geeignet wären. Eine Sonderanfertigung würde in die Hunderttausende gehen das ist für uns als kleines Label keine Option. Außerdem wären solche Maschinen riesig und nur für große Hersteller rentabel, die in Massen produzieren. Genau das widerspricht jedoch unserem Konzept. Handarbeit ist heute leider oft in Vergessenheit geraten. Für genau die Menschen, die den Wert von Handarbeit erkennen und schätzen, machen wir unsere Handschuhe. Und für mich persönlich ist die Herstellung jedes einzelnen Paars nicht nur ein Handwerk, sondern auch eine Herzensangelegenheit es hat fast etwas Meditatives.

Handschuhe sind ein stark saisonales Produkt. Wie gehst du damit um, dass der Großteil der Nachfrage in wenigen Monaten im Jahr besteht?

Handschuhe sind ein absolutes Saison-Geschäft. Das finde ich momentan gar nicht schlimm, weil ich ja auch als Grafikerin arbeite. Wenn ich das ganze Jahr nur Handschuhe machen würde, müsste ich mich entscheiden, die Grafik aufzugeben. Insofern bin ich da gar nicht böse drum. Die Produktion läuft aber das ganze Jahr über, da meine Mitarbeiterinnen auf Minijob-Basis das ganze Jahr über produzieren. Ich habe dann mein Lager, das sich füllt. Die Läden mit denen wir zusammenarbeiten bestellen im Sommer und bekommen ihre Ware im September.

Motivationsfaktor „Spaß“

Das machen, was einem selbst gefällt – das ist das Motto von Ebbers. Und dabei hoffen, dass es dann noch Menschen gibt, denen gefällt, was man macht. Aber Ebbers weiß: nicht nur das Design ist wichtig: „Auf der BLICKFANG Wien wollten ganz viele Platz auf meinem Stuhl nehmen. Die Reaktion war dann immer dieselbe: überrascht, wie bequem er eigentlich ist“, erzählt der Möbeldesigner. Für ihn kommt diese Erkenntnis nicht überraschend, schließlich hat er sich lange mit der Ergonomie auseinandergesetzt und verschiedene Designs getestet.

Ein zweites Leben 

Klaus Ebbers arbeitet nicht nur farbenfroh, sondern vor allem auch nachhaltig. „Das ist existenziell für mich. Wo möglich, werden die Komponenten von einer Behinderten Werkstatt hergestellt. So wie bisher können wir als Gesellschaft ja nicht weitermachen“, erklärt der Gestalter. Vor allem durch Altmetall und seine limitierte Anzahl an Auflagen, will Ebbers einen Beitrag zum Umweltschutz leisten. Ein Produkt, das gute Laune macht und das jahrelang – zeitloses Design spielt auch bei Ebbers Premium eine große Rolle: „Ich möchte, dass die Leute ein gutes Gefühl haben, wenn sie bei mir kaufen und sie sich keine Sorgen machen müssen, dass Kinderarbeit oder Abholzung hinter den Produkten steckt.“

Inspiration von überall 

Kunst ist mit Sicherheit eines der Felder, durch das sich Klaus Ebbers am meisten inspirieren lässt. Doch damit ist noch nicht genug: „Seit ich denken kann, habe ich mir immer alles ganz genau angeschaut.“ Die Dinge betrachten und hinterfragen. Aber auch die Zusammenarbeit mit anderen stellt einen großen Mehrwert im Design von Ebbers Premium dar. Projekte mit anderen kreativen Köpfen, wie Fotograf:innen, helfen ihm andere Sichtweisen zu sehen und in Betracht zu ziehen. Dabei gibt Ebbers anderen Künstler:innen gerne Raum, ihre eigene Vision zu entwickeln.

Abschied nehmen ist ein schweres Thema. Besonders, wenn es sich um den finalen Abschied einer geliebten Person handelt. Farvel, ein junges Schweizer Label, wagt es, diesen Moment neu zu denken – mit individuell gestalteten Urnen, nachhaltigen Materialien und einem Designansatz, der Hoffnung und Leichtigkeit vermittelt. Hinter Farvel stehen Sebastian Kuhn-Prohic und Katharina Hogg-Erdrich, die aus der Marketingwelt kommen und nun eine Branche aufbrechen, die bisher vor allem traditionell und zurückhaltend war. Im Gespräch mit Sebastian erfahren wir, wie Farvel Abschied und Erinnerung zu etwas macht, das berührt, inspiriert und auf besondere Weise feiert. 

Wer ist Farvel – und wie entstand die Idee, Abschied neu zu denken?

„Farvel, das sind Katharina und ich – seit fast 17 Jahren Kollegen und Freunde. Kennengelernt haben wir uns während des Studiums, und sind seitdem Freunde geblieben. 

Die Idee zu Farvel kam an einem warmen Sommerabend am Genfersee. Katharina hatte innerhalb kurzer Zeit zwei Verluste in der Familie erlebt. Sie saß bei beiden Beerdigungen vor einfachen Standard-Urnen und spürte: Da liegt mehr drin. Diese Menschen waren einzigartig, voller Lebensfreude und doch standen da Gefäße, die so austauschbar wirkten. Sie suchte online nach Alternativen, fand aber kaum etwas Schönes oder Individuelles. 

Mit diesem Gedanken kam sie zu mir. Dort, am See, haben wir lange darüber gesprochen, warum Abschied oft so nüchtern gestaltet wird und beschlossen, das zu ändern. So wurde Farvel geboren: aus dem Wunsch heraus, mehr Schönheit, Persönlichkeit und Leichtigkeit in den Moment des Abschieds zu bringen.“ 

Wie seid ihr auf den Namen Farvel gekommen?

„Wir wollten einen Namen, der Bezug zum Thema Abschiednehmen hat, aber nicht zu direkt, nicht zu schwer. Etwas, das sich logisch anfühlt, wenn man es hört. So sind wir von Farewell auf Farvel gekommen. Das bedeutet auf Dänisch und Norwegisch Lebwohl. Es lässt alles offen: Ist es für immer, nur auf Zeit? Es ist eigentlich ein liebevolles Mach’s gut.“

Ihr seid beide branchenfremd. War das nicht eine riesige Hürde?

„Unser Hintergrund liegt im Marketing, bei mir speziell im Employer Branding. Mit Produktentwicklung hatten wir anfangs keinerlei Berührungspunkte. Aber vielleicht war genau das unser Vorteil. Wir konnten unbefangen fragen: Warum muss das alles so düster sein? Warum nicht Hoffnung, Leichtigkeit? Unser Markenauftritt ist inspiriert von einem Sonnenaufgang – nicht vom Untergang. Sie sollen zeigen: Nach der Nacht kommt wieder der Tag.“

Das ist eine mutige Philosophie. Gibt es auch Gegenwind?

„Am meisten Gegenwind kommt eigentlich von den Bestattungsinstituten. Die Branche ist überwiegend traditionell geprägt. Natürlich kann ich nicht für jeden sprechen, aber das trifft auf die Mehrheit zu. Viele sagen: ‚Das funktioniert doch so, warum soll ich etwas ändern?‘ Aber genau deshalb suchen wir den direkten Kontakt zu den Menschen, zum Beispiel an der BLICKFANG. Dort treffen wir designaffine Besucher, die sich für schöne Dinge begeistern. Wir wollen ihnen zeigen: Auch der letzte Moment kann schön sein.“

Und wie entsteht so eine Urne bei euch?

„Es beginnt mit einem Briefing. Unser Designer René Odermatt hat sich für die Lamellenstruktur von einem aufgeklappten Buch inspirieren lassen. Die Herausforderung: In eine Urne müssen bis zu fünf Liter passen und trotzdem soll sie leicht wirken. Danach folgt ein langer Prozess mit 3D-Druck. Eine Urne druckt zwischen 14 und 16 Stunden. Erst danach sehen wir, ob sie fehlerfrei ist. Dann werden die Deckel von Hand gefertigt – übrigens in einer Zürcher Werkstatt, in der Menschen mit und ohne Beeinträchtigung arbeiten. Auch die Baumwollbeutel für die Asche entstehen in sozialen Institutionen. Es ist uns wichtig, dass Farvel nicht nur schön und nachhaltig, sondern auch sozial verantwortlich ist.“

Euer Material ist besonders – warum habt ihr euch dafür entschieden?

„Unsere Urnen bestehen aus einem Holzfilament, das aus Sägeresten gewonnen wird. So schenken wir diesem Material ein neues Leben. Am Ende baut sich die Urne wie Holz ab, optional bleibt dann nur der Marmordeckel – als ewiger Marker, ein kleiner Stein, der auch in 1.000 Jahren noch an den Menschen erinnert. Wir nennen das nachhaltiges Erinnern.“

Gibt es eine Geschichte von einem Kunden, die euch besonders berührt hat?

„Ja, eine ganz besonders. Es war eine Frau, die die Urne für ihren Vater gestalten ließ. Zuerst hatte sie den vollen Namen ihres Vaters ausgewählt – alles ganz korrekt, wie man es eben oft auf Grabsteinen sieht. Dann schrieb sie uns zurück. Sie sagte: Nein, das fühlt sich nicht richtig an. Und sie änderte die Gravur in nur ein einziges Wort: ‚Papa. Für immer in meinem Herzen‘.  
Das hat mich sehr berührt. Dieses eine Wort trägt so viel Liebe und Erinnerung in sich. Es macht die Urne sofort persönlich, intim – nicht ein offizielles Erinnerungsstück, sondern ein Zeichen für die ganz eigene Beziehung zwischen Vater und Tochter. Genau darum geht es bei Farvel: Dass am Ende etwas entsteht, das sich richtig anfühlt.“

Wenn jemand auf der BLICKFANG das erste Mal vor euren Urnen steht – was wünscht ihr euch, dass diese Person fühlt?

„Am berührendsten ist es, wenn jemand innehält und sagt: Das ist wirklich besonders. Genau das wünschen wir uns – dass die Menschen spüren, dass hier etwas mit Liebe und Sorgfalt entstanden ist. Wir wollen das Thema Abschied nicht aufdrücken, sondern einen neuen Blick darauf eröffnen. Wenn es schon ein so schwerer Moment ist, dann soll er zumindest in einem Rahmen stattfinden, der Hoffnung und Leichtigkeit ausstrahlt. Wir möchten zeigen: Auch in der Trauer kann etwas Tröstliches und Schönes liegen.“