Es gibt Kunst, die betrachtet man. Und es gibt Kunst, die verändert, wie sich ein Raum anfühlt.

Bei Stella Jean passiert genau das: Ihre Werke wirken zunächst zurückhaltend: minimalistisch, ruhig, fast still. Und doch verändert sich alles, sobald man länger hinsieht. Licht bricht sich in der Oberfläche, Schatten verschieben die Wahrnehmung, Strukturen beginnen zu leben. Genau dieses Spannungsfeld beschreibt sie selbst als das, was viele Betrachter später als „lebendige Ruhe“ bezeichnen – ein Zustand zwischen Stille und Bewegung, den ihre Arbeiten im Raum erzeugen.

Zwischen Design und Kunst: Die Frage nach dem richtigen Maß

Stella Jean bewegt sich bewusst an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design. Ihre Perspektive ist stark interior-orientiert, ihre Arbeiten entstehen im Dialog mit dem Ort, an dem sie später leben sollen. Stil ist für sie kein starres System, sondern ein offener Prozess. Entscheidend ist nicht die Wiedererkennbarkeit um ihrer selbst willen, sondern die Frage: Was braucht dieser Raum wirklich?

Diese Haltung führt zu Arbeiten, die sich nicht in den Vordergrund drängen sondern sich einfügen – fast so, als wären sie schon immer Teil des Raumes gewesen.

Viele ihrer Serien arbeiten mit emotionalen Landschaften. In „Take the Wave“ etwa geht es um das Gefühl eines Spaziergangs am Meer, nicht als Bild, sondern als Erinnerung an Bewegung, Ruhe und Weite. Die Herausforderung liegt darin, diese Eindrücke stark reduziert sichtbar zu machen. Ein Zuhause soll kein statischer Ort sein, sondern ein Zustand, ein Ruhepol, ein Ankommen.

Der Prozess: Zwischen Idee und Offenheit

Am Anfang steht oft eine Idee, aber selten ein festes Bild. Viel wichtiger ist der Prozess selbst.

„Ich weiß am Anfang nie genau, wie das fertige Werk aussehen wird“, sagt sie. Die Idee sei eher ein Ausgangspunkt, aus dem sich das Werk über Wochen oder Monate entwickelt.

Dieser offene Prozess ist bewusst Teil ihrer Arbeitsweise. Raum für Entwicklung ist kein Nebenprodukt, sondern Voraussetzung. Erst im Verlauf zeigt sich, wohin sich Struktur, Licht und Material tatsächlich bewegen.

Bei Auftragsarbeiten kommt eine weitere Ebene hinzu. Hier wird der Raum selbst zum Ausgangspunkt. Materialien, Lichtverhältnisse und Atmosphäre werden analysiert, teilweise vor Ort oder digital in den Raum eingebettet. Ziel ist immer dasselbe: ein Werk zu schaffen, das nicht hinzugefügt wirkt, sondern integriert.

Ein Beispiel, das besonders in Erinnerung geblieben ist, ist ein Projekt in einem Haus in St. Peter-Ording. Die unmittelbare Nähe zum Meer, die Helligkeit und die Weite des Ortes waren dort der Ausgangspunkt. Daraus entstanden sehr reduzierte, helle Arbeiten, die genau dieses Gefühl von Leichtigkeit und Küstenatmosphäre aufnehmen und in den Innenraum übertragen.

„Mir geht es darum, ein Gefühl von Zuhause aufzugreifen und es im Werk sichtbar zu machen“, beschreibt Stella ihren Ansatz. Entscheidend sei dabei nicht das Werk selbst als Objekt, sondern die Wirkung im Raum, als etwas, das sich selbstverständlich einfügt.

Blickfang und die Verbindung zum Raum

Die Teilnahme an der BLICKFANG beschreibt Stella Jean als konsequenten Schritt in ihrer Entwicklung. Die Messe versteht sie als Plattform für gestaltete Räume und Objekte, die Atmosphäre prägen – genau dort sieht sie ihre Arbeiten verortet.

Ihre Werke sollen nicht nur gezeigt, sondern im Kontext von Raumgestaltung verstanden werden: als Elemente, die Licht, Material und Stimmung verändern.

Stella arbeitet an einem feinen Gleichgewicht zwischen Stille und Bewegung, Struktur und Offenheit, Raum und Werk. Ihre Kunst drängt sich nicht auf, sie ergänzt, was bereits da ist.

Oder anders gesagt: Sie macht Räume nicht lauter, sondern genauer hörbar.

Wer ihre Arbeiten auf der BLICKFANG entdeckt, begegnet daher weniger einzelnen Objekten als vielmehr einem Gefühl: einer ruhigen, klaren Präsenz, die bleibt, auch wenn man längst weitergegangen ist.

Auf der BLICKFANG in Hamburg kannst du Stella persönlich kennenlernen ihre Werke in Ruhe betrachten und sogar direkt mitnehmen!

Jetzt Tickets sichern!

Lokaldesign ist mehr als ein herkömmliches Möbelgeschäft in Hamburg. Unter der Leitung der Gründerin Katharina Roedelius hat sich das Unternehmen zu einem Ort entwickelt, an dem Wohnen als ganzheitliches, oft psychologisches Thema begriffen wird. Die zentrale Philosophie lautet „Enablement“: Kund:innen sollen nicht einfach nur Möbel kaufen, sondern dazu befähigt werden, ihre eigenen Wohnprojekte intuitiv, selbstbewusst und nach ihren individuellen Bedürfnissen zu gestalten.

Wohnpsychologie als Fundament

Für Katharina Roedelius ist die eigene Wohnung der intimste Bereich, der die Persönlichkeit widerspiegeln und als Rückzugsort Kraft geben sollte. In ihren Beratungen und Workshops, die sie oft als eine Art „Coaching“ oder sogar „Paartherapie“ beschreibt, geht es darum, die tieferliegenden Ursachen für Unwohlsein in den eigenen vier Wänden zu finden.

Befreiung von Rechtfertigungszwängen: Katharina ermutigt dazu, die „Oberhand“ über das eigene Zuhause zurückzugewinnen. Sie vertritt die Ansicht, dass man sich nicht rechtfertigen muss – sei es für den Besitz von 52 Teedosen oder die Entscheidung, sich von teuren, aber unpassenden Geschenken oder Erbstücken zu trennen.

Identifikation von Störfaktoren: Oft sind es nicht nur unaufgeräumte Ecken, sondern emotional belastete Gegenstände, die blockieren.

Struktur statt Fehlkäufe

Ein häufiges Problem im Handel ist laut Katharina Roedelius, dass Menschen Stauraum kaufen, ohne genau zu wissen, was sie darin unterbringen wollen. Dies führt oft zu teuren Fehlkäufen. Ihr Ansatz setzt früher an: Erst wenn die Struktur und die eigenen Bedürfnisse klar sind, folgt die Auswahl der Möbel. Dabei vermittelt sie auch praktisches Wissen zu Themen wie Farbe, Licht und geschickten Interior Hacks, um vorhandene Möbel neu zu kombinieren.

Workshop auf der BLICKFANG

Auf der BLICKFANG Hamburg lädt Lokaldesign zu kurzen Schnupper-Workshops rund um bewusstes Wohnen ein. Gemeinsam mit Katharina entwickelst Du ein Gefühl dafür, was Dein Zuhause wirklich braucht – mit wohnpsychologischen Impulsen und einem kreativen MUT-Board als persönlichem Kompass.

In 45 Minuten entsteht kein Moodboard, sondern Klarheit: für Deinen Stil, Deine Bedürfnisse und Deinen eigenen Weg im Wohnen.

Infos & Anmeldung

Erinnerst du dich noch an deine erste BLICKFANG-Teilnahme? Wann und wo war das? 

Ja, total. Das war ziemlich am Anfang von Lokaldesign – damals noch in einer Phase, in der ich selbst viel ausprobiert habe und noch gar nicht genau wusste, wohin die Reise geht.
Die erste Teilnahme war in Hamburg – und ich erinnere mich noch sehr gut daran, wie besonders sich das angefühlt hat: Plötzlich war man Teil einer kuratierten Auswahl, nicht einfach irgendein Aussteller.

Dieses Gefühl, zwischen so vielen unabhängigen Designer:innen zu stehen, die alle ihre eigenen Ideen und Produkte mitbringen, war damals ziemlich prägend für mich.

Wie hat die BLICKFANG dich und dein Unternehmen vorangebracht? 

Die BLICKFANG war für mich von Anfang an viel mehr als nur eine Verkaufsmesse. Zum einen natürlich ganz konkret: Sichtbarkeit. Man trifft dort ein unglaublich designaffines Publikum, das bewusst nach individuellen, langlebigen Produkten sucht – genau die Menschen, die auch zu Lokaldesign passen. Aber fast noch wichtiger war der Austausch. Mit anderen Designer:innen, mit Kund:innen, mit Presse.
Die Gespräche dort sind oft ehrlicher, direkter und intensiver als im klassischen Ladenalltag.

Und: Man bekommt sofort Feedback. Zu Produkten, zu Preisen, zu Ideen. Das hat mir über die Jahre immer wieder geholfen, mich weiterzuentwickeln und mein Sortiment klarer zu positionieren.

Was bedeutet dir die BLICKFANG? 

Für mich ist die BLICKFANG so ein bisschen wie ein Klassentreffen der unabhängigen Designszene. Man trifft Menschen wieder, die man teilweise seit Jahren kennt, entdeckt neue spannende Labels und merkt jedes Mal aufs Neue, wie viel Leidenschaft in dieser Branche steckt.

Und gleichzeitig ist es immer auch ein Perspektivwechsel:
Raus aus dem eigenen Laden, rein in ein Umfeld, in dem man Teil eines größeren Ganzen ist. Ich war ja letztes Jahr sogar in der Jury – und das hat mich noch mal mehr Stolz gemacht. Zu sehen, wie sich Lokaldesign und ich mich mit dem Konzept entwickele. 

Warum ist die BLICKFANG auch weiterhin ein festes Datum in deinem Kalender? 

Weil sie genau das verkörpert, wofür auch Lokaldesign steht: Unabhängigkeit, Haltung und echtes, durchdachtes Design.

Die BLICKFANG ist ja nicht einfach irgendeine Messe, sondern eine kuratierte Plattform, auf der nur ausgewählte Labels ausstellen dürfen und ihre Produkte persönlich präsentieren. Und genau das macht sie so besonders. Für mich ist sie deshalb nicht nur ein Vertriebskanal, sondern auch ein Ort für Inspiration, Austausch und Weiterentwicklung. Oder anders gesagt: Solange ich Lust auf gutes Design und echte Begegnungen habe, wird die BLICKFANG ein fester Bestandteil davon bleiben.

Erinnerst du dich noch an deine erste BLICKFANG-Teilnahme? Wann und wo war das?

Die erste Blickfang für ZAMT war in Basel im Jahre 2020 ?! , wir hatten einen Brand in unserem Berliner Showroom gehabt zu der Zeit und waren für Monate geschlossen. Es tat unheimlich gut wieder Kundenkontakt zu haben und sich unter so viele Gleichgesinnte Aussteller zu mischen. Es entstanden Freundschaften die noch immer andauern. 

Was bedeutet dir die BLICKFANG und warum ist sie auch weiterhin ein festes Datum in deinem Kalender? 

Die Blickfang ist in der sich seit einigen Jahren nun doch sehr schnell wandelnden Welt eine Konstante für uns. Abgesehen davon, dass es für uns einfach immer wieder eine wunderschöne Bestätigung darstellt in so geballter Form ein vielfältiges positives Feedback zu unserer Arbeit auf unsere Produkte zu bekommen, ist es darüberhinaus einfach unglaublich wichtig mit einer Konstante zu rechnen. Es strukturiert unseren Kalender und bildet mittlerweile einen festen Termin am dem man die Kundinnen aus den verschiedenen Regionen Wiedersehen kann. 

Wohn endlich Deinen eigenen Weg.

Deine Wohnung ist mehr als ein Raum.
Sie ist ein Spiegel Deiner Persönlichkeit.
Und genau dann macht sie Dich am glücklichsten: wenn sie Dich zeigt.

Aber:
Wann hast Du Dich das letzte Mal wirklich bewusst mit ihr beschäftigt?

In diesem Schnupper-Workshop lädt Katharina von Lokaldesign Dich ein, in einen neuen Dialog mit Deinem Zuhause zu gehen.

08.-10. Mai 2026

BLICKFANG Hamburg
Deichtorhallen
Stand von Lokaldesign

Termine: 
Freitag: 16h und 18h
Samstag: 14h und 17h
Sonntag: 13h und 16h

Dauer: ca. 45 Minuten

Was Dich erwartet:

• Wohnpsychologische Impulse: Wir machen eine kleine (T)Raumreise durch Deine Wohnung: Du entdeckst, welche Ecken Dir gut tun – und wo Veränderungspotenzial steckt.
• Kreativ-Session: In einem kreativen Part entwickelst Du Dein persönliches MUT-Board – Deinen emotionalen Kompass für Dein Zuhause. Kein klassisches Moodboard. Sondern ein erster Schritt in Richtung Deines eigenen Wohn-ICHs.

Du gehst nicht mit mehr Trends raus.
Sondern mit mehr Klarheit darüber, was sich für Dich richtig anfühlt.

Anmeldung & Teilnahme: 

Pro Termin stehen 10 Plätze zur Verfügung. Um dir deinen Platz zu sichern, kannst du dich vorab über unser Anmeldeformular registrieren. Ein kleiner Teil der Plätze wird zudem spontan vor Ort vergeben.

Komm vorbei und erlebe, wie sich Wohnen verändert, wenn Du bei Dir selbst anfängst.

1. Was macht für dich gutes Design aus?  

Gutes Design muss mich ansprechen und ich muss lange Spaß mit dem Produkt haben. Charles Eames hat es in meinen Augen mit folgenden zwei Fragen auf den Punkt gebracht: Löst das Produkt ein Problem? Wie sieht das Produkt in 10 Jahren aus?

 2. Welches Designstück hat dich in letzter Zeit begeistert und warum?  

Es gibt ein Paar Dinge, die mir über die Jahre ans Herz gewachsen sind und die mich immer wieder aufs Neue begeistern. Meine letzte Anschaffung, die ich als „Designstück“ bezeichnen würde, ist ein Wasserkocher von Stelton. Auch, wenn Erik Magnussen den nicht mehr selbst gestaltet hat, ist es aus meiner Sicht eine gut gemachte Ergänzung der Serie EM77. Funktion, Gewicht und Handling sind gut. Das Wichtigste, wenn man mit kochendem Wasser hantiert, ist doch, dass man das Wasser gut und gefahrlos ausgießen kann. Komischerweise habe ich einige gut aussehende Wasserkocher getestet, bei denen das ausgerechnet nicht gegeben ist.

3. Wohin wird sich in deinen Augen Möbel-Design in Zukunft entwickeln?  

Es gibt diesen schönen Spruch: Wir leben in einer Zeit in der jeder den Preis, aber kaum noch jemand den Wert einer Sache kennt. Leider habe ich gerade das Gefühl, dass der Markt immer stärker von Billigprodukten überschwemmt wird. Von Produkten, die aus 5 Meter Entfernung vielleicht sogar ganz passabel aussehen und ein Versprechen abgeben, welches sie schon nach kurzer Zeit nicht mehr halten. Auf der anderen Seite gibt es Möbel und Produkte, die sorgfältig entwickelt wurden und bei denen Gestalter einen starken Einfluss hatten. Das alles ist aufwendig und schlägt sich auf die Kosten nieder. Ich habe die Sorge, dass viele Verbraucher diese Preisdifferenz nicht nachvollziehen können. Mehr „gesundes“ Mittelmaß würde ich mir da wünschen. Eine gute Qualität zu einem nachvollziehbaren Preis.

4. Die BLICKFANG ist wichtig, weil … 

… man sich trifft, sich live austauschen kann und man sich einem interessierten Publikum präsentieren kann. Ich kenne viele Beispiele von Start-ups, für die die Blickfang ein Sprungbrett war.

5. Welchen guten Rat würdest du jungen Designer:innen heutzutage mit auf den Weg geben? 

Sich gut zu fokussieren. Je klarer man ist, desto stärker bleibt man in Erinnerung.

Was kann und möchte ich bewegen? Wofür möchte ich stehen? Es freut mich immer, wenn ich auf der Blickfang Produkte betrachte und darin eine Haltung ablesen kann. Mein Rat: Macht etwas gut und mit Leidenschaft, aber macht nicht alles…

1. Was macht für dich gutes Design aus?

Im Modedesign sollte jedes Kleidungsstück eine eigene Sprache sprechen. Es sollte nicht nur für sich selbst stehen, sondern auch in Kombination mit anderen Teilen eine kraftvolle Wirkung entfalten. Kleidung ist das stärkste nonverbale Kommunikationsmittel, und das Designteam sollte diese Möglichkeit optimal nutzen.

2. Welches Designstück hat dich in letzter Zeit begeistert und warum?

Die Kollektionen von Cecile Bahnsen begeistern mich zutiefst. Jedes Jahr kooperiert das Team mit funktional orientierten Marken und kreiert Kollektionen, die Weiblichkeit und Funktionalität harmonisch verbinden. Diese Mode spricht für mich eine äußerst ästhetische und authentische Sprache. Die Grenzen verschwimmen, und genau das macht diese Marke für mich so einzigartig.

3. Wohin wird sich in deinen Augen Design in Zukunft entwickeln?

Unumgänglich: Kreislaufwirtschaft Viele Start-Ups setzen bereits seit Jahren auf die Entwicklung von Loop-Systemen, sowohl im Möbelbereich als auch in der Mode. Besonders in der Modebranche ist es entscheidend, den Fokus auf nachhaltige Praktiken zu richten, da diese Industrie riesig ist und einen erheblichen Beitrag zu einem umweltbewussteren Leben leisten kann.

4. Die BLICKFANG ist wichtig, weil…

…die Lernkurve bei der Entwicklung neuer Produkte erheblich steigt, wenn wir im direkten Kontakt mit unseren Kund*innen stehen. Die BLICKFANG bietet genau diesen Raum. Es geht darum, sich kennenzulernen, Netzwerke zu bilden, zuzuhören, neue Inspirationen zu erhalten und Synergien zu schaffen – das ist letztendlich das Ziel.

5. Welchen guten Rat würdest du jungen Designer:innen heutzutage mit auf den Weg geben?

Insgesamt sollte jeder seinen individuellen Weg entdecken. Dennoch empfehle ich, auf die eigene Intuition zu achten und im Austausch mit anderen zu bleiben, um gesellschaftliche Strömungen wahrzunehmen. Mode kommuniziert ständig und dieses Ausdrucksmittel sollte wieder verstärkt genutzt werden und als das gesehen werden.

1. Was macht für dich gutes Design aus?

Gutes Design zeichnet sich dadurch aus, dass die Form der Funktion nicht nur folgt, sondern diese ausmacht und dabei Ästhetik, Form, Innovation und Langlebigkeit in sich vereint.

2. Welches Designstück hat dich in letzter Zeit begeistert und warum?

Das Regal von USM Haller, das ich als Schreibtisch/Sekretär im Home-Office nutze. Das modulare System macht einfach jede erdenkliche Kombination möglich und passt sich perfekt an aktuelle Gegebenheiten und die eigenen Wünsche an. Design, Funktion und Farbe in einem zeitlosen Designstück vereint.

3. Wohin wird sich in deinen Augen Möbel-Design in Zukunft entwickeln?

Es gibt sehr viele verschiedene Entwicklungen im Bereich Möbel-Design. Meiner Meinung werden aber besonders Faktoren wie Nachhaltigkeit, ressourcenschonende Verarbeitung, Qualität, Langlebigkeit und Funktion in Zukunft eine immer größere Rolle spielen. Da urbaner Wohnraum mehr und mehr zum Luxusgut wird und die Grenzen zwischen Wohnen, Arbeiten und Schlafen zunehmend verschwimmen, sollte Möbeldesign außerdem ein gewisses Maß an Flexibilität mitbringen, um sich wechselnden Gegebenheiten anzupassen.

4. Die BLICKFANG ist wichtig, weil…

… sich der Trend im Bereich Wohnen meiner Ansicht nach immer weiter zu Individualität und Persönlichkeit entwickelt. Weg vom uniformierten Einheitsstil hin zu einem eklektischen Mix aus Premiummarken, hochwertigen Designklassikern und Contemporary Design kombiniert mit Vintage-Möbeln, handgefertigten Werkstücken und besonderen Unikaten. Auf der Blickfang Designmesse findet man genau diese kleinen feinen wertvollen Fundstücke, die dem persönlichen Space die gewisse individuelle Note verleihen.

5. Welchen guten Rat würdest du jungen Designer:innen heutzutage mit auf den Weg geben?

Ich glaube, für Designer:innen ist es vor allem wichtig, die eigene Handschrift und den persönlichen Stil zu finden. Außerdem helfen ein weites interdisziplinäres Netzwerk und Kollaborationspotential als wichtige Grundlagen für Reichweite und Skalierung.  

1. Was macht für dich gutes Design aus?

Gutes Design ist der sichtbare Beweis, dass ein Mensch wirklich nachgedacht hat – über ein Problem, eine Lücke, eine bessere Lösung oder einfach über umwerfende Schönheit. Hinter jedem guten Produkt steckt eine Meinung, und genau dafür lohnt es sich zu bezahlen.

2. Welches Designstück hat dich in letzter Zeit begeistert und warum?

Nicht ein einzelnes Stück – sondern die Konsequenz: Apple über 50 Jahre, der Porsche 911, Braun unter Dieter Rams und seine Designprinzipien, der Eames Lounge Chair. Was diese Ikonen eint ist, dass sie nicht für einen Moment gemacht wurden, sondern aus einer Überzeugung heraus, die den Moment überlebt hat.

3. Wohin wird sich in deinen Augen Möbel-Design in Zukunft entwickeln?

Weg von der Wegwerfkultur, hin zu Stücken, die man bewusst kauft und behält. Die Gegenbewegung zu austauschbarem Massendesign wird kommen – und Handwerk, Material und Haltung werden wieder als das erkennbar, was sie immer waren: Qualitätsmerkmale.

4. Die BLICKFANG ist wichtig, weil…

…sie jungen Designern und Marken eine Plattform bietet, Meinungen und Feedback zu ihren – meist frühen – Produkt-Ideen einzuholen. Hier kann jeder Designer im direkten Dialog zu Endkunden und Design-Insidern wichtige Erkenntnisse für seine Arbeit gewinnen.

5. Welchen guten Rat würdest du jungen Designer:innen heutzutage mit auf den Weg geben?

Entwickle eine Haltung und hab den Mut, sie zu verteidigen – aber vergiss nie, dass Design erst dann zur Welt gehört, wenn es jemand kaufen kann. Die schönste Idee scheitert am Markt, wenn sie sich nicht rechnet. Verstehe Preise, Margen und Vertriebswege genauso gut wie Form und Funktion.

Zwischen Werkstatt und Wohnraum entsteht bei Björn Schirmacher mehr als ein Möbelstück. Jeder Entwurf beginnt mit einem Annähern – an Räume, an Gewohnheiten, an Menschen. Und doch bleibt bis zuletzt ein Moment der Neugierde. Ob ein Stück wirklich trägt, zeigt sich erst dort, wo es seinen Platz findet: im Alltag.

Deine Entwürfe sind oft sehr schlicht. Warum ist es dir so wichtig, dass die Möbel dem Nutzer Raum für eigene Fantasien lassen?

„Ich versuche Möbel so zu gestalten, dass sie sich mit dem Kunden im Leben entwickeln. Sie sollen ein begleitendes Stück sein. Die Menschen bringen ohnehin Unruhe in Räume, lassen Dinge liegen, verändern ständig etwas. Deshalb sollte das Möbel in der Formsprache reduziert sein. Es soll sich integrieren und zur Wohnlichkeit beitragen, ohne sich aufzudrängen.“

Wie schaffst du es, Möbel zu bauen, die auch in vielen Jahren noch modern wirken und nicht nur einem Trend folgen?

„Trends sind immer Phasen. Wenn man sich die Epochen anschaut, hat sich Gestaltung ständig verändert. Ich glaube, durch die Reduktion der Formsprache kann man eine gestalterische Langlebigkeit erreichen. Wenn ein Möbel nicht überladen ist, wirkt es auch nach vielen Jahren noch stimmig. Dazu kommt die Qualität – es muss auch halten.“

Für den „Stuhl Bjørn“ gab es viele Varianten. Warum war dir dieser lange Weg so wichtig, um die Essenz guter Gestaltung zu finden?

„Am Anfang stand ein einfaches Modell aus Spanplatten. Mir ging es zuerst um das Sitzen, um die Proportionen. Dann kam die Gestaltung. Ich habe viele Varianten gebaut und immer wieder angepasst, teilweise nur um wenige Millimeter. Das hat mehrere Jahre gedauert. Aber ich wollte etwas entwickeln, das wirklich funktioniert und für Menschen eine Bereicherung ist.“

Du arbeitest mit höchster Genauigkeit. Wo liegt für dich die Grenze zwischen perfekter Verarbeitung und der natürlichen Lebendigkeit des Holzes?

„Die Qualität muss perfekt sein. Aber gestalterisch darf es nicht zu perfekt sein. Das Unperfekte erzeugt Spannung. Ein Möbel sollte authentisch bleiben und etwas haben, das den Blick anzieht.“

Deine Möbel sollen eine „zurückhaltende Präsenz“ haben. Wie entwirfst du ein Stück, das zwar Charakter zeigt, aber den Raum nicht dominiert?

„Ich schaue mir die Räume an und versuche, den Stil zu verstehen. Dann überlege ich, welche Funktion das Möbel erfüllen muss. Daraus entstehen die Proportionen und die Form. Die eigene Handschrift entwickelt sich dabei automatisch.“

Wie ist Gudstav als Studio entstanden und was hat dich dazu gebracht, mit Holz und Stahl zu arbeiten?

„Ich habe als Metallbauer angefangen und während meinem Praktikum gemerkt, dass ich Dinge herstellen möchte, um Probleme zu lösen. Das fing im Stahlbau an: Ich habe für einen Kunden eine Edelstahlblende gebaut und dafür Geld bekommen. Das war ein Moment, in dem klar wurde, dass ich so weiterarbeiten möchte.

Später kam dann der Designanspruch dazu. Heute ist es so, dass ich Dinge neu mache, wenn sie mir nicht gefallen. Diese Präzision und dieser eigene Anspruch sind erst mit Gudstav gekommen.

Die ersten eigenen Produkte waren gepresste und gezogene Metallschalen. Dazu sind dann die Holzobjekte gekommen als Kontrast. Holz ist eine ganz andere Arbeit. Schneiden, Schleifen, Staub, Lebendig. Das ist für mich eine sehr unmittelbare Form des Arbeitens. Ich möchte beides haben, aber mit einem klaren Fokus.“

Wie entscheidest du, wann du mit Holz und wann mit Stahl arbeitest oder beides kombinierst?

„Ich kombiniere inzwischen bewusst nicht mehr, sondern halte die Materialien getrennt. Holz und Metall stehen jeweils für sich. Bei der Garderobe sind zwar Holzstäbe dabei, aber eher als Ergänzung.

Die Schalen produziere ich in Serien, in Zehner oder Zwanzigerschritten, und fülle damit mein Sortiment wieder auf. Die Holzklötze entstehen vor allem dann, wenn ich Zeit habe, in die Werkstatt zu gehen. Das ist ein freier, sehr persönlicher Arbeitsmoment, alleine mit Musik, beim Machen.

Ich arbeite sehr haptisch und nehme kleinste Makel sofort wahr. Gerade darin liegt für mich die Qualität, wenn aus einem rohen Klotz eine glatte Oberfläche entsteht. Diese reduzierte Form und Haptik interessiert mich im Moment am meisten.“

Was bedeutet „Slow Design“ für dich ganz konkret im Alltag?

„Slow Design ist für mich die Liebe zum Detail. Ich könnte auch einen Container mit 10.000 Schalen bestellen und vertreiben. Aber ich versuche, möglichst viel im eigenen Prozess zu behalten und selbst umzusetzen.

Es geht darum, die Dinge sehr sorgfältig und bedacht klein zu halten und nicht auf große Stückzahlen zu setzen, sondern auf Qualität.“

Du sprichst von Objekten mit „Geschichte“. Was macht diese für dich aus?

„Jedes Produkt trägt bereits eine eigene Geschichte in sich, durch das Material, seine Herkunft und die Art, wie es verarbeitet wird. Wenn ich diese Geschichte zusätzlich persönlich erkläre und sie so sichtbar und nachvollziehbar wird, entsteht eine zusätzliche Ebene des Verständnisses, die über das Objekt hinausgeht.

Ich arbeite zum Beispiel viel mit Eiche, die Metalleinschlüsse enthält. Diese führen zu schwarzen Verfärbungen im Holz. Das ist ein Materialmerkmal, das in vielen Betrieben aussortiert wird. Mich interessiert genau diese Besonderheit.

Mir ist wichtig, dass Nutzer:innen diese Hintergründe kennen und dadurch ein tieferes Verständnis für das Stück entwickeln. Wenn sie wissen, warum ein Objekt so aussieht, wie es aussieht, können sie seine Geschichte selbst weitertragen und mit anderen teilen.“

Was bedeutet es für dich, alles von Hand zu fertigen, auch im Vergleich zur industriellen Produktion?

„Diese Schalen funktionieren im Grunde ähnlich wie ein industrielles Produkt, nur in einem kleineren Maßstab. In großen Stückzahlen würde der Prozess vergleichbar ablaufen, nur automatisiert und unpersönlich.

Der Unterschied ist, dass ich jedes Stück individuell bearbeite. Die Schalen haben kleine Abweichungen, eine bewusste Asymmetrie, eine eigene Schlagzahl und zusätzliche Bearbeitungsspuren. Das wäre industriell so nicht vorgesehen.

Bei den Holzobjekten ist der Aufwand deutlich größer. Es steckt viel Zeit in jedem Stück. Das lässt sich wirtschaftlich nur schwer abbilden, ist aber genau der Teil, in dem meine Handschrift sichtbar wird.“

Wie läuft ein typischer Herstellungsprozess bei dir ab, vom ersten Material bis zum fertigen Objekt?

„Ich lasse die Laserteile fertigen. Nach einem Konturschliff und einer Schlagzahl forme ich sie mit Hilfe meiner Presse und meinen Händen um und gebe ihnen ihren individuellen Charakter. Danach müssen sie relativ schnell zum Pulverbeschichten, damit nichts rostet.

Anschließend folgen Details wie Kennzeichnung und Verpackung, dann sind sie fertig.

Bei den Holzobjekten ist der Prozess deutlich länger. Das Holz muss zunächst trocknen. Danach säge ich, hoble, schleife und poliere. Je nach Material kann das viele Stunden oder auch Tage dauern.“

Wie möchtest du deine Arbeit auf der BLICKFANG zeigen, sodass auch der Prozess dahinter sichtbar wird?

„Ich zeige den Prozess nicht direkt, aber ich habe ein iPad dabei, auf dem Videos laufen. Damit lassen sich viele Fragen bereits klären. Ich habe die Erfahrung gemacht, dass viele Menschen sich die Arbeiten zunächst in Ruhe anschauen möchten, während andere den Austausch suchen. Darauf versuche ich einzugehen. Wenn Interesse da ist, gebe ich die Objekte gerne in die Hand. So werden das Gewicht und die Qualität unmittelbar spürbar.“

Elisabeth Seidel
© Patrick Schwarz

Elisabeth Seidel entwickelt Leuchten, deren Oberfläche nicht geformt, sondern gezüchtet wird. Auf einem Acrylkörper wachsen über Tage hinweg Kristalle, die jedes Objekt zu einem Unikat machen. Im Gespräch erzählt sie von ihrem Zugang zum Material, vom Arbeiten zwischen Kontrolle und Offenheit – und von einem Prozess, der Zeit braucht.

© Patrick Schwarz

Elisabeth, vielleicht ganz am Anfang: Wie bist du überhaupt auf die Idee gekommen, mit Kristallen zu arbeiten?

„Vor zwei Jahren habe ich meinen Bachelor in Integrated Design gemacht und ich mochte es immer, zu experimentieren und Materialstudien zu machen. Also ein Material zu nehmen, viel zu testen und irgendwann den Mechanismus zu verstehen. Von der Ästhetik her mag ich Transparenzen und Farben. Eigentlich wollte ich zuerst mit einem anderen Material arbeiten, aber das hat an der Uni nicht funktioniert. Dann habe ich in einem Schaufenster einen Kristallzuchtkasten gesehen und mich dafür entschieden. Es war Zufall, aber es hat genau zu dem gepasst, womit ich mich beschäftigen wollte.“

Wann hast du gemerkt, dass in diesem Material mehr steckt als ein Experiment – dass daraus ein eigenständiger Entwurf entstehen kann?

„Ich habe mich zuerst intensiv mit der Chemie und den Kristallstrukturen beschäftigt. Dann habe ich angefangen, Kristalle aus Lösungen zu züchten und mit Acrylglas zu kombinieren. Irgendwann hat das funktioniert und ich hatte einen stabilen Träger. Dann habe ich das im Großen ausprobiert. So ist die erste Leuchte entstanden.“

Wenn man dich ganz konkret fragt: Wie entsteht so eine Leuchte – was sind die einzelnen Schritte?

„Zuerst stelle ich den Körper aus Acrylglas her, der aus Schichten besteht. Dann koche ich die Lösung und gebe die Farbe dazu, wobei ich genau auf Temperatur und Dosierung achten muss. Danach kommt das Objekt in die Lösung und wächst dort ein bis zwei Wochen. Wenn die Bedingungen stimmen, funktioniert es zuverlässig. Danach wird es herausgenommen, getrocknet und mit einem Schutzlack versiegelt.“

© Patrick Schwarz

© Patrick Schwarz

Deine Leuchten verbinden eine klare Grundform mit einer gewachsenen Oberfläche – wie entwickelst du dieses Zusammenspiel im Entwurf?

„Ich arbeite mit organischen Formen und kombiniere sie mit den geometrischen Kristallen. Eine geometrische Grundform wäre naheliegend gewesen, das wollte ich vermeiden. Die erste Form habe ich von schmelzenden Eiswürfeln abgeleitet. Daraus hat sich die Formensprache entwickelt.“

Wenn das Licht hinzukommt: Was verändert sich für dich in der Wahrnehmung der Kristalle?

„Ausgeschaltet wirkt die Leuchte wie eine Kristallskulptur, die das Licht reflektiert. Eingeschaltet werden die Schichten sichtbar und man erkennt den Aufbau der Kristalle. Es werden unterschiedliche Eigenschaften betont. Beide Zustände gehören für mich zusammen.“

© Patrick Schwarz

Dein Projekt wurde mit dem Future Forward Award ausgezeichnet – was daran würdest du selbst als zukunftsweisend beschreiben, und welche Gespräche wünschst du dir daraus auf der BLICKFANG?

„Ich habe mich sehr gefreut, dass das auch von einer etablierten Branche gewürdigt wird. Kristalle kommen im Interior Design kaum vor und ich kenne nur wenige vergleichbare Projekte. Ich finde es spannend, sie als Materialalternative zu sehen, die sich selbst bildet und ressourceneffizient ist. Gleichzeitig gibt es keine ästhetischen Nachteile. Ich wünsche mir Gespräche darüber, wie man das Material weiterdenken und einsetzen kann.“

Lara Morr: Mehr als eine Lösung – „Morr than one way“

„Morr than one way“ von Lara Morr ist ein multifunktionaler Tisch, der auf unterschiedliche Anforderungen im Alltag reagiert. Ausgangspunkt ist die Frage, wie sich Arbeiten, Wohnen und gemeinschaftliche Nutzung in einem Möbel verbinden lassen. Durch dreh- und ausziehbare Plattenelemente kann die Fläche flexibel erweitert werden. So lässt sich der Tisch sowohl als Arbeitsplatz als auch als größere Arbeits- oder Essfläche nutzen. Die Konstruktion ermöglicht es, zwischen Offenheit und Ordnung zu wechseln. Arbeitsmaterialien können sichtbar bleiben oder temporär in die Struktur integriert werden. Die organische Formgebung verbindet funktionale Klarheit mit einer wohnlichen Erscheinung.

Ida Westrick: Eine Fläche, viele Funktionen – „LOU“

Mit „LOU“ entwickelt Ida Westrick ein Wandobjekt aus einer einzigen Metallfläche. Durch eine präzise Biegung wird die zweidimensionale Ebene in ein dreidimensionales Objekt überführt, ganz ohne zusätzliche Bauteile.

Die Gestaltung reduziert sich auf einen einzigen Eingriff, bei dem Form, Material und Funktion unmittelbar zusammenwirken. Je nach Ausführung wird LOU zum Spiegel mit räumlicher Reflexion oder zur Ablage mit Stauraum für Alltagsgegenstände.

Lena Gerscher: Frida – Konstruktion als Gestaltung

Mit Frida entwirft Lena Gerscher ein Regal, das seine Konstruktion bewusst offenlegt. Steckverbindungen und sichtbare Holzstrukturen prägen das Erscheinungsbild und verleihen dem Möbel eine klare, handwerkliche Ästhetik. Das modulare System erlaubt flexible Anordnungen und macht Frida anpassbar an unterschiedliche Nutzungsszenarien. Farbige oder grafische Einsätze setzen dabei gezielte Kontraste und erweitern das Regal um eine visuelle Ebene zwischen Funktion und Inszenierung. So entsteht ein Möbel, das sich zwischen Ordnungssystem und Ausstellungsfläche bewegt – reduziert, wandelbar und präzise.

Hannah Gröschel: Zwischen Lichtbild und Objekt – „WALLY“

Die Objektleuchte „WALLY“ von Hannah Gröschel verbindet nostalgische Formelemente mit einer zeitgenössischen, grafischen Gestaltung. Ein Gestell aus verchromtem Edelstahl und Nussbaumholz trifft auf eine Leuchtfläche mit pixelartiger Struktur. Mehrere übereinanderliegende Acrylglasplatten erzeugen ein vielschichtiges Lichtbild. Im eingeschalteten Zustand entsteht eine warme, diffuse Leuchtwirkung, während die Leuchte im ausgeschalteten Zustand ruhig und klar erscheint. So bewegt sich WALLY zwischen funktionaler Beleuchtung und gestalterischem Objekt und thematisiert den Kontrast von analoger Materialität und digitaler Bildsprache.

Michael Döpke: Vom Brett zur Form – Ein Hocker aus gebogenem Holz

Der Bugholzhocker von Michael Döpke reduziert ein Sitzmöbel auf eine durchgehende Materialfläche. Ausgangspunkt ist ein flaches Holzbrett, das mithilfe von Wasserdampf in Form gebracht wird.

Durch das Bugholzverfahren entsteht eine Konstruktion ohne zusätzliche Verbindungselemente, deren Stabilität allein aus der Form entsteht. Der Herstellungsprozess bleibt sichtbar und wird zum gestalterischen Element. So wird der Übergang vom Zweidimensionalen ins Dreidimensionale nachvollziehbar und die Materialität des Holzes betont.

Antonia Fischer: Falten, Licht, Struktur – „mira“

Die Leuchtenserie „mira“ von Antonia Fischer basiert auf einem präzisen Zusammenspiel aus Faltung und Material. Durch gezielte Knicke und Klebepunkte wird das Shoji-Papier in eine plastische, dreidimensionale Form gebracht, die das Licht weich streut und gleichzeitig eine klare Struktur zeigt. Die einzelnen Elemente werden in Handarbeit gefertigt und mithilfe von Magneten verbunden. Dadurch lässt sich die Leuchte zusammenfalten und platzsparend transportieren. Das Leuchtobjekt wird über kleine Kugelmagnete fixiert und bleibt flexibel in der Handhabung. „mira“ ist in mehreren Größen sowie als Tischleuchte erhältlich und verbindet Leichtigkeit mit konstruktiver Präzision.

Amelie Dörflinger und Frauke Rotte: Alltag sichtbar machen – „puck. – Barista Zubehör“

Mit „puck.“ entwickeln Amelie Dörflinger und Frauke Rotte eine Kollektion von Barista-Zubehör, die den Prozess der Kaffeezubereitung bewusst unterstützt und zugleich gestalterisch in den Alltag integriert. Unterschiedliche Formen und Farben setzen gezielte Akzente und machen die Werkzeuge zu sichtbaren Bestandteilen der Küche.

Die Tamper bestehen aus Edelstahl und werden auf der Drehbank gefertigt. Griff und Unterteil sind verschraubt, sodass sich das Unterteil austauschen lässt. Die Abklopfbox wird aus Stahlblech gekantet und durch ein 3D-gedrucktes Inlay ergänzt, das die Belastung beim Gebrauch abfängt.

Camilla von Kaehne: Reduktion und Atmosphäre – „Lücht“

Mit „Lücht“ gestaltet Camilla von Kaehne eine akkubetriebene Tischleuchte mit reduzierter Form und ruhiger Materialkombination. Der Entwurf verbindet Funktionalität mit einer klaren gestalterischen Haltung und fügt sich in unterschiedliche Wohnkontexte ein.

Gesteuert über einen Touchsensor lässt sich die Leuchte stufenlos dimmen. Dank USB C ist sie flexibel einsetzbar. Das warme Licht schafft eine intime Atmosphäre. Holz, Porzellan und PLA sind klar voneinander abgesetzt und verleihen der Leuchte eine zeitlose Anmutung.

Wenn es in Vancouver regnet – und das tut es ziemlich oft – hat Bettina Müller Reichl eine elegante Antwort darauf: Capes, die Wettertauglichkeit und zeitlose Eleganz verbinden. Mit ihrem Label Cape de Coeur hat die gebürtige Österreicherin eine eigene Nische geschaffen: luxuriöse, funktionale Capes, die gleichermaßen Schutz und Stil bieten. Bettina bringt dafür eine beeindruckende Laufbahn mit: Von der Wiener Modeschule über Stationen in der Kostümdesign- und Sportswear-Welt bis hin zur Gründung ihres Labels in Kanada. In Cape de Coeur vereinen sich künstlerische Eleganz, technisches Know-how und eine klare Haltung zu Verantwortung und Nachhaltigkeit. Wir haben mit Bettina über die Entstehung ihres Labels, ihren eigens entwickelten Stoff CoeurTex™ und ihre Vision von verantwortungsvoller Mode gesprochen.

Bettina Mueller-Reichl und ihr Ehemann

Dein Weg führte von der Wiener Modewelt über Sportbekleidung für Große Labels bis hin zur Couture-Regenbekleidung in Vancouver. Wie fließen deine beruflichen Stationen in deine heutige Arbeit ein?

„Mein beruflicher Weg hat mich im Grunde wieder zu meinen Anfängen zurückgebracht, aber mit all dem Wissen, das ich über die Jahre gesammelt habe. Am Anfang meiner Karriere hatte ich mein eigenes kleines Modellabel in Wien und habe nebenbei Kostümdesign für die Oper und Film gemacht, bin dann aber in die Sportswear-Industrie gerutscht. Dort habe ich gelernt, dass ein Kleidungsstück mehr sein muss als ein trendiges Fashion-Teil, das man nur eine Saison lang trägt. Es geht um Langlebigkeit und um den ‚Purpose‘. All dieses technische Wissen darüber, wie man ein funktionales, langlebiges Kleidungsstück entwickelt, fließt jetzt in meine Capes ein. Ich glaube, die Kombination aus meinen künstlerischen Anfängen und dem technischen Know-how aus der Sportswear-Industrie macht meine Capes so einzigartig.“

Euer eigens für Cape de Coeur entwickelter Stoff CoeurTex™ gilt als Herzstück der Designs. Was macht dieses Material so besonders – auch im Vergleich zu klassischen Performance-Stoffen?

„Ich wollte keinen Stoff ‚von der Stange‘ nehmen, sondern ein Material, das meinen Vorstellungen entspricht. Ich wollte die Performance einer High-Tech-Regenjacke, aber mit der weichen Haptik und dem fließenden Fall eines Wollmantels. Es war eine Suche, die fast zwei Jahre gedauert hat, aber ich habe einen Stofflieferanten gefunden, mit dem ich das Material von Grund auf neu entwickeln konnte. Die Außenschicht und die Innenschicht sind gewirkt, nicht gewebt wie bei herkömmlichen Outdoor-Jacken. Dazwischen liegt eine moderne Membran, die wasserdicht und gleichzeitig atmungsaktiv ist. Ich wollte das typisch raschelnde, steife Gefühl eines technischen Stoffes vermeiden. Außerdem ermöglicht uns die Struktur des Stoffes, eigene Muster zu designen. Die Entwicklung war eine Reise für sich, aber das Ergebnis ist ein Material, das genau das darstellt, was ich mir vorgestellt habe.“

Die Capes sind das Ergebnis von jahrelanger Entwicklung und ständiger Verbesserung. Wie definierst du verantwortungsvolle Luxusmode?

„Für mich besteht Luxus in der Verantwortung. Das beginnt bei den Lieferanten: Ich weiß, wer die Stoffe produziert, wo die Capes hergestellt werden und unter welchen Bedingungen die Menschen arbeiten. Ich habe mich bewusst für europäische Produzenten in Deutschland und Portugal entschieden, die höchste Umwelt- und Sozialstandards erfüllen. Bei der Manufaktur in Portugal, mit der ich schon lange zusammenarbeite, ist Transparenz selbstverständlich. Das Zweite ist die Produktion in sehr kleinen Mengen. Wir schmeißen nichts weg – auch keine Stoffreste. Aus den kleinsten Resten machen wir Accessoires wie Hüte oder Ansteckblumen. Und zu guter Letzt geht es um die Langlebigkeit der Capes selbst. Unsere Designs folgen keinen schnellen saisonalen Trends, sondern sind zeitlose Stücke, die man in zehn Jahren noch mit Freude tragen kann.“

Mit der Zusammenarbeit mit der Pollinator Partnership zeigt Cape de Coeur, dass Nachhaltigkeit bei euch über die Lieferkette hinausgeht. Wie entstand diese ungewöhnliche Verbindung?

„Ich habe eine Leidenschaft, die ich nicht verleugnen kann: Bienen und Insekten. Ich finde es extrem wichtig, dass wir auf sie achten. Ich wollte einfach irgendetwas machen, wo ich mein Label mit meiner persönlichen Leidenschaft verbinden kann. Auch wenn wir vielleicht nur ein paar Leute erreichen, hoffe ich, dass sie sich fragen: ‚Was ist das Pollinator Project?‘ und sich mit dem Thema beschäftigen. Diese Organisation kümmert sich darum, dass Gärten und Felder wieder zu natürlichen Lebensräumen für Bienen und Insekten werden. Die Bienen und Kolibris, die wir auf unseren Capes als Muster haben, spiegeln das wider. Jeder kann etwas beitragen, und das ist meine Mission mit diesem Projekt.“

Wer trägt die Mode von Cape de Coeur? Was für ein Bild hast du von deiner Kundschaft im Kopf?

„Unsere Kunden sind häufig Menschen mit einer beruflichen Karriere. Ich sehe sie als professionelle, kreative und selbstbewusste Persönlichkeiten, die Wert auf Qualität, Design und Funktionalität legen. Oft tragen sie teure Kleidung, und sie kennen das Dilemma: Wie schützt man ein teures Outfit auf dem Weg zum Meeting, ohne eine hässliche Regenjacke zu tragen? Unser Cape nimmt ihnen diese Entscheidung ab. Es ist gleichzeitig praktisch und elegant. Es sind Menschen, die sich trauen, aus der Masse herauszustechen, denn man wird mit einem Cape de Coeur überall angeschaut und auch oft angesprochen. Unsere Kund:innen erzählen mir, dass sie von Fremden auf der Straße gestoppt werden. Das ist ein tolles Gefühl, weil es zeigt, dass unser Design einen Nerv trifft.“