Helena Harfst entwickelt Kleidung aus natürlichen Materialien, die sich selbstverständlich in den Alltag einfügt. Was als persönliche Suche nach einer Alternative zur klassischen Brautmode begann, wurde 2020 zum eigenen Label. Im Gespräch erzählt sie, warum für sie alles beim Material beginnt, was sie an Hanf fasziniert und weshalb Heimat für sie weniger ein konkreter Ort als ein Gefühl ist.

Helena, dein Label ist aus einem sehr persönlichen Bedürfnis heraus entstanden. Wie kam es dazu?

Eigentlich hat alles schon mit meiner ersten Selbstständigkeit angefangen. Ich hatte selbst geheiratet und festgestellt, dass es für mich kaum Brautkleider gab, die sich wirklich nach mir angefühlt haben. Vieles war aus Synthetik, sehr dick, mit Korsagen und hatte für mich eher etwas von einem Kostüm.

Ich wollte ein Kleid aus Naturfasern, das sich wie ein echtes Kleid anfühlt und nicht wie etwas, in das ich mich verkleiden muss. Dadurch habe ich mich zum ersten Mal sehr intensiv mit Stoffalternativen beschäftigt und dabei einen tollen Lieferanten aus meiner Region gefunden. Mit ihm arbeite ich bis heute eng zusammen.

Später habe ich mich dann nach Materialien umgesehen, die auch zu meinem eigenen Alltag passen. Daraus ist schließlich die Idee für eine Kollektion entstanden. Erst habe ich die Kleidung nur für mich gemacht, dann kam aus meinem Umfeld immer wieder die Frage: „Kann ich das auch haben?“ Im Frühjahr 2020 ist daraus schließlich das Label entstanden.

Du sagst, dass deine Designs immer beim Material beginnen. Was bedeutet das konkret für deinen Entwurfsprozess?

Bei mir ist es tatsächlich fast immer andersherum, als man es vielleicht erwarten würde. Ich habe ganz selten zuerst eine Idee für ein Kleidungsstück und suche danach das passende Material. Ich sehe ein Material und dann entstehen die Ideen.

Mich interessiert, was ein Stoff haptisch mit mir macht, wie er fällt, wie er verarbeitet werden kann und welche Eigenschaften er mitbringt. Das Material gibt mir oft schon eine Richtung vor. Bei Hanf war es zum Beispiel diese besondere Struktur, die mich sofort angesprochen hat.

„Sorgloskleidung“ ist ein Begriff, den du selbst verwendest. Was bedeutet Sorglosigkeit für dich?

Für mich besteht das aus mehreren Ebenen. Ein Kleidungsstück soll sich gut anfühlen, unkompliziert in den Alltag integrieren lassen und einfach zu pflegen sein. Gleichzeitig möchte ich wissen, woher das Material kommt und wo produziert wurde.

Dieser ethische Aspekt gehört für mich genauso dazu. Ich habe mir selbst versprochen, die Produktion dort zu lassen, wo sie ist, und deutsches Handwerk zu unterstützen. Natürlich wäre es günstiger, im Ausland produzieren zu lassen. Aber dann würde ich einen Teil von dem aufgeben, wofür mein Label steht.

Manchmal bedeutet das auch, dass ich mich von einem Design verabschieden muss, wenn ich es mit den Materialien und Produktionsbedingungen, die ich mir wünsche, nicht umsetzen kann. Das gehört für mich dazu.

Eines deiner Beispiele dafür ist die Gartenjeans. Was steckt hinter diesem Stück?

Die Idee war ganz einfach: Ich wollte etwas haben, mit dem ich im Garten arbeiten, mir die Hände abwischen und danach nur die Schuhe wechseln kann, um mit einer Freundin noch etwas trinken zu gehen. Die Kleidung soll sich meinem Alltag anpassen und nicht umgekehrt.

Genau das ist für mich ein Sorglos-Piece. Es funktioniert, ohne dass ich ständig darüber nachdenken muss, was ich damit machen kann oder wie ich es pflegen muss. Wenn Kund:innen mir später erzählen, dass ein Kleidungsstück zu ihrem Lieblingsstück geworden ist und diesen Sorgloscharakter für sie wirklich bekommen hat, dann weiß ich, dass die Idee funktioniert.

Neben den Materialien spielt auch das Thema Heimat eine große Rolle in deiner Arbeit. Was verbindest du damit?

Das beschäftigt mich tatsächlich schon seit meiner Kindheit. Ich glaube, mich fasziniert an Heimat dieses Gefühl von Verwurzeltsein, Ankommen und Ruhe. Ich selbst bin eher ein getriebener Mensch, immer voller Energie und mit dem Wunsch, Neues zu erleben und hinaus in die Welt zu gehen. Vielleicht ziehen mich gerade deshalb die Gegensätze so an.

Und Heimat muss für mich auch nicht an einen bestimmten Ort gebunden sein. Ich kann unterwegs sein und plötzlich merken: Das, was mich hier berührt, fühlt sich genauso nach Heimat an.

Aus diesem Gedanken heraus bin ich auch bei Tradition und Folklore gelandet. Kleidung ist eine Form, sich auszudrücken. Gerade traditionelle Kleidung steckt voller Symbolik.

Wie gelingt dir dabei die Balance zwischen Folklore und moderner Alltagskleidung?

Ich möchte immer eine Balance finden. Man kann natürlich einen kompletten Look daraus machen und sehr deutlich in diese Ästhetik gehen. Aber man kann genauso gut nur ein Teil zu einer Jeans tragen und hat dann lediglich ein ganz subtiles Gefühl von Folklore.

Genau das finde ich spannend: dass die Kleidung nicht voraussetzt, dass man seinen ganzen Alltag verändert. Sie kann ein kleines Stück dieser Ästhetik mitnehmen, ohne dass man gleich von Kopf bis Fuß darin gekleidet sein muss.

Für deine kommende Frühjahrskollektion bist du noch tiefer in dieses Thema eingestiegen. Was können wir erwarten?

Ich bin dafür noch einmal sehr intensiv in historische Sammlungen gegangen und habe mir die Verarbeitungen genau angesehen. Gemeinsam mit meiner Schnittdirektrice und der Produktion haben wir dann überlegt, wie wir diese Ideen umsetzen können.

Ich kann noch nicht zu viel verraten, aber ich bin sehr glücklich damit, wie die Kollektion geworden ist. Auch die Retailer haben bisher sehr positiv darauf reagiert. Jetzt bin ich gespannt, wie sie bei den Kund:innen ankommt.

Deine Kundschaft ist dabei erstaunlich vielfältig. Wie würdest du sie beschreiben?

Ich habe immer wieder versucht, meine Kundschaft für Website und SEO genau zu definieren. Aber sobald ich auf einer Messe stehe, werde ich selbst immer wieder überrascht. Es gibt für mich kein klares „Du bist meine Kundin und du nicht“.

Was viele verbindet, ist eine Wertschätzung für handwerkliche Verarbeitung und natürliche Materialien. Manche kommen wegen der Materialien und entdecken dann das Design für sich. Bei anderen ist es genau andersherum.

Auch der Unisex-Bereich ist dadurch immer größer geworden. Ursprünglich habe ich nur Womenswear gemacht, aber häufig waren Frauen mit Männern an meinem Stand, die sich ebenfalls für die Materialien und die Kleidung begeistert haben. Daraus sind immer mehr Teile entstanden, die für beide funktionieren.

Mode gehört seit vielen Jahren fest zur BLICKFANG Zürich. Zum 30. Jubiläum bekommt sie eine ganz besondere Bühne: Gemeinsam mit der STF Schweizerischen Textilfachschule wird die BLICKFANG zum Laufsteg.

Beim Fashion Walk präsentiert die STF ausgewählte Mode-Entwürfe und bringt sie mitten ins Messegeschehen. Besucher:innen erleben Fashion dabei nicht nur am Stand, sondern in Bewegung und als inszeniertes Live-Erlebnis. Unterschiedliche Looks, Materialien und Silhouetten treffen aufeinander und zeigen die Vielfalt zeitgenössischer Mode. An allen Messetagen ziehen dreimal täglich Models beim FASHION-WALK by STF über die BLICKFANG und machen die Messe kurzerhand zum Laufsteg.

Die Kooperation mit der STF verbindet dabei Design, Ausbildung und die Zukunft der Schweizer Textil- und Modeszene. Als Bildungsinstitution für Fashion, Textil, Design und Management bringt die STF junge Perspektiven und aktuelles Know-how auf die BLICKFANG.

Fashion-Walk by STF

20.–22. November 2026
BLICKFANG Zürich, Kongresshaus
Start an der Bühne 1. OG

Fashion Walks:

Freitag: 14:00, 17:30 und 19:00 Uhr
Samstag: 13:00, 16:00 und 18:00 Uhr
Sonntag: 13:00, 15:00 und 17:00 Uhr

Ein Balkon, eine Abrissparty und eine orange-gelbe Markise: Viel mehr brauchte es zunächst nicht, damit aus einem alten Sonnenschutz eine Produktidee entstand. Während Alex Benz mit Freund:innen auf dem Balkon eines Gebäudes grillte, das kurz darauf abgerissen werden sollte, fiel sein Blick auf die Markisen. Am nächsten Tag war er mit einem Teppichmesser wieder vor Ort, um die ersten Stücke „zu ernten“. Daraus entstand der erste Shopper von Attached.

Heute macht das Schweizer Label genau daraus sein Prinzip: Ausgediente Markisenstoffe werden eingesammelt, aufbereitet und in sozialen Werkstätten zu Taschen und Accessoires verarbeitet. Dabei gibt das Material selbst den Ton an. Farben, Muster und Gebrauchsspuren entscheiden mit darüber, was aus einer Markise werden kann – und machen viele der Stücke zu echten Einzelstücken.

Bei den Shopper Bags war also das Material zuerst da und daraus ist das Produkt entstanden. Wie entwickelt man ein Produkt, wenn nicht die Idee, sondern das Material den Anfang macht?

Das war tatsächlich genau so. Ich wusste zuerst gar nicht, was ich machen wollte. Ich habe zunächst versucht, einen Rucksack daraus zu machen, aber die Streifen haben für mich überhaupt nicht dazu gepasst. Das Material hatte eher Strand-Vibes.

Irgendwann war klar: Die Textilie hat das Produkt entschieden, nicht umgekehrt.

Ihr nutzt also sowohl sehr alte Markisen als auch neue Restbestände. Was verändert sich durch den Zugang zu größeren Materialmengen?

Wenn du eine alte Markise direkt vom Balkon holst, muss sie erst gewaschen und aufbereitet werden. Auch der Zuschnitt ist schwieriger, wenn der Stoff schon 30 oder 40 Jahre am Balkon gehangen hat. Trotzdem wollen wir diese Materialien nicht weglassen. Beides ist Upcycling, aber bei einer alten Markise wird wirklich ein Material, das jahrzehntelang im Einsatz war, in ein zweites Leben überführt.

Und natürlich hat es auch etwas, wenn man beim Produkt noch sieht, woher der Stoff kommt. Das gibt dem Ganzen noch mehr Seele und Geschichte.

Markisenstoff ist für den Außenbereich gemacht. Welche Eigenschaften des Materials nutzt ihr bewusst für eure Produkte?

Die Wasserresistenz ist vor allem bei der Verarbeitung interessant. Dabei gibt es einen großen Unterschied zwischen einem neuen und einem alten Stoff. Bei älteren Markisen geht die Wasserresistenz irgendwann verloren und der Stoff wird deutlich weicher.

Wenn wir einen alten Stoff bekommen, der eine tolle Farbe hat, machen wir daraus zum Beispiel eine Crossbody Tasche, die sich weicher dem Körper anschmiegt. Neuere Stoffe, die noch komplett wasserresistent und fester sind, verwenden wir eher für Laptop Cases oder Necessaires. Gerade da ist es cool, wenn das Wasser wirklich komplett abperlt.

Bei Attached geht es also nicht nur darum, Material wiederzuverwenden, sondern auch darum, Menschen neue Perspektiven zu ermöglichen. Wie kam dieser soziale Aspekt zu eurem Konzept?

Das war eigentlich von Anfang an da. Eine gute Freundin von mir hatte ein Burnout und hat uns damals darauf aufmerksam gemacht, dass man in geschützten Werkstätten Modeaccessoires herstellen lassen kann. So haben wir angefangen.

Ich kenne viele Menschen und auch mich selbst, die manchmal mit mentalen Schwierigkeiten zu kämpfen haben. Ich finde es wichtig, dass man darüber spricht. Wenn du ein Burnout hast oder in einer Depression steckst, kann es hilfreich sein, wieder eine gewisse Struktur in den Alltag zu bekommen und etwas Wertschöpfendes zu machen. Ich glaube, das funktioniert mit unseren Taschen sehr gut. Die Leute können eine Tätigkeit machen, bei der am Ende ein richtiges Produkt entsteht.

Wie erlebt ihr die Zusammenarbeit mit den Menschen in den Werkstätten?

Eine sehr enge persönliche Beziehung zu einzelnen Mitarbeitenden aufzubauen, ist gar nicht so einfach, weil das Ziel ja eigentlich ist, dass sie möglichst nicht so lange dort bleiben, sondern wieder einen normalen Job oder eine andere Tätigkeit aufnehmen können.

Wir sind aber regelmäßig vor Ort. Gerade bei einer neuen Werkstatt ist mir das persönlich sehr wichtig. Wir haben zum Beispiel eine neue Einrichtung in der Nähe von Gelsenkirchen, die ziemlich weit entfernt ist. Da war ich jetzt schon zweimal und habe mir angeschaut, wie die Arbeitsbedingungen und die Strukturen vor Ort aussehen.

Wir bekommen auch viel Feedback direkt aus der Herstellung. Das Coole an unseren Produkten ist, dass der Produkttyp zwar gleich bleibt, aber immer wieder andere Farben dazukommen. Dadurch entsteht Abwechslung und es ist nicht einfach nur eine klassische Laufbandarbeit.

Und wir machen viel Brainstorming mit den Menschen dort. Nicht alle Designs kommen von mir. Das Necessaire zum Beispiel ist eigentlich unser komplexestes Produkt in der Herstellung. Das haben die Mitarbeitenden selbst entwickelt. Sie haben einfach zwei oder drei Entwürfe gemacht und daraus ist dann dieses Produkt entstanden.

Was macht für dich den Reiz der unterschiedlichen Markisenstoffe aus?

Die Stoffe verändern sich ständig. Für mich sind die einzelnen Farben dadurch fast wie Limited Editions. Wenn du eine eigene Tasche willst, musst du einen Stoff nehmen, der dich wirklich vom Hocker haut. Und dann weißt du gleichzeitig: Den gibt es vielleicht später nicht mehr.

Manche Stoffe habe ich tatsächlich nur einmal gesehen. Und manchmal sehe ich auf der Straße in Zürich eine Tasche und denke: Wow, diese Farbe hatten wir auch mal.Das ist für mich auch eine Art Qualitätscheck. Wenn ich Produkte aus Stoffen sehe, die ich schon längst vergessen hatte, weiß ich gleichzeitig: Die Leute haben diese Taschen schon ziemlich lange.

Und zum Schluss ganz persönlich: Welche Attached-Tasche begleitet dich selbst im Alltag am häufigsten?

Eigentlich das Laptop Case und der Crossbody. Ich bin lustigerweise eher ein Rucksacktyp, obwohl ich eine Taschenbrand habe. Aber ich fahre sehr viel Fahrrad in der Stadt und der Crossbody funktioniert dafür einfach am besten. Mein Laptop passt rein und viel mehr brauche ich eigentlich nicht.

Und obwohl ich die Möglichkeit hätte, habe ich tatsächlich nur zwei Taschen von Attached. Noch. Es kommt gerade eine richtig coole Farbe, da werde ich mir wahrscheinlich noch eine holen.

Hinter Mademoiselle Jo steht die belgische Designerin Joan Bebronne, die ihre Erfahrungen aus Architektur sowie Mode- und Textildesign in zeitgenössische Möbel und Wohnobjekte übersetzt. Ihre Entwürfe verbinden eine reduzierte Formensprache mit hochwertigen Materialien und präziser handwerklicher Verarbeitung.

Besonders eindrucksvoll zeigt sich dieser Ansatz in ihren skulpturalen Tischen aus verschmolzenem Murano-Glas. In den Werkstätten von Murano entstehen die limitierten Editionen in aufwendiger Handarbeit: Mehrere Glasschichten werden miteinander verbunden und erzeugen lebendige Oberflächen, in denen sich Licht, Farbe und Tiefe immer wieder neu begegnen.

Mademoiselle Jo verbindet damit traditionelle Fertigungstechniken mit einer zeitgemäßen Materialästhetik. Die Zusammenarbeit mit europäischen Handwerksbetrieben und der Fokus auf langlebige Materialien machen ihre Arbeiten zu zeitlosen Objekten, die handwerkliches Können sichtbar machen und zugleich neue Perspektiven auf Gestaltung eröffnen.

Der zweite Gewinner des Future Forward Awards in Zürich ist der Schweizer Designer Tobias Hirt. Nach seiner Tischlerausbildung in Schaffhausen studierte er Produktdesign in Darmstadt und verbrachte anschließend Zeit an der Kyushu University in Japan, wo er sich intensiv mit traditionellem Handwerk auseinandersetzte. Weitere prägende Erfahrungen sammelte er im Studio von Sebastian Herkner, bevor er sein eigenes Studio gründete.

Heute bewegt sich seine Arbeit zwischen Möbeln, Objekten und Räumen. Dabei treffen handwerkliches Wissen, klare Konstruktion und experimentelle Gestaltung aufeinander. Hirt legt besonderen Wert auf Materialien, Details und den Entwicklungsprozess selbst. Wie aus dieser Haltung eigenständige Objekte entstehen, zeigt etwa sein Beistelltisch ALU-CC, bei dem eine präzise Konstruktion aus drei Aluminiumteilen zur charakteristischen Form wird.

Seine Arbeiten verbinden so funktionale Präzision mit einer ruhigen, emotionalen Qualität und zeigen, wie eng Denken und Machen miteinander verbunden sind.

Ein Möbel, das mit dem Leben mitwächst: Irion

Bei Irion steht eine einfache, aber wegweisende Idee im Mittelpunkt: Ein Möbel soll sich an seine Nutzenden anpassen – nicht umgekehrt. Seit 1999 entstehen in der Schweizer Manufaktur modulare Regalsysteme, die individuell konfiguriert und immer wieder verändert werden können. Eine eigens entwickelte Verbindungstechnik sorgt dabei für Flexibilität und Stabilität. Birkensperrholz, HPL und präzise gefertigte Beschläge treffen auf eine reduzierte Formensprache. Entwickelt und produziert wird in der Schweiz – mit dem Anspruch, Möbel zu schaffen, die viele Lebensphasen begleiten.

Wenn Material und Funktion die Form bestimmen: THISMADE

Wie leicht darf ein stabiles Möbel sein? Und wie weit lässt sich die Statik ausreizen, ohne dass Funktionalität und Ästhetik verloren gehen? Mit diesen Fragen beschäftigt sich THISMADE. Das Schweizer Designlabel entwickelt Möbel und Raumkonzepte, bei denen sich die Form aus dem Zusammenspiel von Material und Funktion ergibt. Gefertigt werden die Entwürfe in kleinen Serien zu 100 % in der Schweiz. Das Ergebnis: klare, zeitlose Möbel, bei denen jedes Element seinen Platz hat und das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile.

Licht als Teil des Raumes: Lichtprojekte

Bei Lichtprojekte beginnt Gestaltung nicht unbedingt mit einem Objekt, sondern mit der Frage, wie ein Raum erlebt werden soll. Das Schweizer Studio und Planungsbüro unter der Leitung von Christian Deuber entwickelt individuelle Lichtkonzepte für private und öffentliche Räume und entwirft daneben eigene Leuchtenkollektionen. Gefertigt wird in Zusammenarbeit mit lokalen Unternehmen, montiert werden die Leuchten im eigenen Atelier von Hand. So treffen planerisches Denken, funktionales Licht und sorgfältiges Handwerk aufeinander.

Für Joan Bebronne war Kreativität nie auf eine einzige Disziplin beschränkt. Nach 25 Jahren in der Lingerie-Branche machte die belgische Designerin ihre langjährige Leidenschaft für Architektur, Materialien und Objekte zum Mittelpunkt ihrer eigenen Designpraxis: Mademoiselle Jo. Heute arbeitet sie mit Glas, Holz, Stein, Metall und Leder und entwickelt charakterstarke Objekte, die langlebig sind, sich in unterschiedliche Interieurs einfügen und dazu einladen, sie auf die eigene Art zu nutzen.

Im Zentrum ihrer aktuellen Arbeit steht Glas, insbesondere Muranoglas. Seine wechselnden Reflexionen und Schatten lassen ihre Objekte im Laufe des Tages mit dem Licht immer wieder anders erscheinen. Wir haben mit Joan darüber gesprochen, welchen Einfluss die Mode auf ihren Designprozess hat, warum sie mit Kunsthandwerker:innen in ganz Europa zusammenarbeitet, weshalb Zeitlosigkeit für sie so wichtig ist und warum Anderssein nicht unbedingt laut sein muss.

Was aus deiner Zeit in der Lingerie ist bis heute Teil deines Designprozesses?

Vor allem ein sehr ausgeprägtes Gespür für Details. Wenn man zum Beispiel einen BH entwirft, kann ein Stück von gerade einmal 15 mal zehn Zentimetern aus mehr als 25 verschiedenen Materialien bestehen. Alles muss präzise sein: Die Farben müssen zusammenpassen und die Materialien miteinander funktionieren. Wenn das nicht der Fall ist, ist das Ergebnis weder schön noch erfolgreich.

Diese Detailgenauigkeit begleitet mich bis heute. Manchmal läuft die Produktion nicht exakt so, wie man es sich vorgestellt hat, aber ich versuche immer, so nah wie möglich an die ursprüngliche Idee heranzukommen.

Wo beginnen deine Ideen normalerweise?

Meistens entstehen sie aus einem Material oder einer Alltagssituation. Auch der Besuch bei einem Kunsthandwerker kann viele Ideen und Emotionen auslösen. Sehr oft sind es das Material selbst oder eine bestimmte Technik, die mich inspirieren.

Deshalb beginne ich auch nicht mit einem völlig leeren Blatt und sage: „Ich entwerfe jetzt einen Stuhl.“ Ich starte mit einer Idee, lasse mich dann aber darauf ein, wohin mich der Prozess führt. Wenn ich eine bestimmte Technik entdecke, überlege ich, was ich damit gestalten kann.

Du bist über eine eher ungewöhnliche Begegnung zum Muranoglas gekommen. Wie kam es dazu?

Eine Frau, die ich auf der Maison & Objet kennengelernt hatte, sah, woran ich arbeitete, und sagte mir, dass sie mich, falls ich irgendwann mit Glas arbeiten wollte, mit Menschen in Murano bekannt machen könnte. Also bin ich dorthin gereist, um die Kunsthandwerker:innen zu besuchen.

Ursprünglich wollte ich etwas ganz anderes entwickeln, aber die Technik und die Menschen, die ich dort kennengelernt habe, haben mir viele neue Ideen gegeben. Besonders interessiert hat mich gegossenes Glas und die Art und Weise, wie das Material das Licht reflektiert. Gleichzeitig wollte ich mit unterschiedlichen Formen und Farben arbeiten, ohne zu stark auf teure Formen und Gussformen angewiesen zu sein.

Du entwickelst deine Ideen außerdem physisch, anstatt dich auf digitale 3D-Modelle zu verlassen. Warum ist das wichtig für dich?

Weil ich die Form und die Proportionen im echten Raum sehen muss. Ich arbeite nicht mit einem 3D-Designprogramm. Ich entwickle meine Entwürfe zwar dreidimensional, aber physisch – mit Karton, Schaumstoff oder ähnlichen Materialien.

Das kommt aus meiner Zeit in der Mode. Wenn ich Kleidung entworfen habe, habe ich oft direkt am Körper gearbeitet, anstatt alles flach auf Papier zu zeichnen. So bekommt man ein viel besseres Gefühl für Volumen und Proportionen. Es ist auch deshalb wichtig, weil die Entwicklungskosten hoch sind. Ich muss mir bei einem Projekt ziemlich sicher sein, bevor ich mit der eigentlichen Entwicklung beginne

Du arbeitest mit Kunsthandwerker:innen in Belgien und in ganz Europa. Was bedeutet diese Zusammenarbeit für dich?

Zunächst einmal müssen die Kunsthandwerker:innen an das Projekt glauben. Sie müssen es mögen und Lust darauf haben, daran zu arbeiten. Sonst kann es nicht funktionieren.

Meine Produkte sind sehr unterschiedlich, deshalb brauche ich verschiedene Spezialist:innen für Glas, Stein, Metall, Holz, Leder und Malerei. Es gibt keine Fabrik, die all das abdecken kann. Jede Person hat ihre eigene Spezialisierung.

Normalerweise treffe ich die Menschen direkt in ihren Ateliers. Ich erkläre das Projekt, was ich erwarte und warum bei den kleinen Serien alles besonders präzise sein muss. Ich liebe es, Menschen kennenzulernen, die mit Materialien arbeiten – ganz gleich, ob mit ihren Händen oder mit Maschinen. Ich interessiere mich nicht nur für ein bestimmtes Feld. Ich entdecke gerne, was aus unterschiedlichen Materialien und Techniken entstehen kann, wenn man sie auf eine andere Art einsetzt.

Gibt es ein Stück, das dir besonders am Herzen liegt?

Das ist schwierig zu beantworten, aber ich würde sagen: der Toupy.

Es ist ein hängender Tisch, der von der Decke herunterkommt und einen Platz für Schlüssel, Brille oder alles andere bietet, was man dort ablegen möchte. Zumindest soweit ich weiß, gibt es auf dem Markt nichts Vergleichbares. Ich hoffe, dass ich die Einzige bleibe, die so etwas macht.

Was ich daran mag, ist, dass er einen Raum auf eine andere Art strukturiert. Die meisten Tische kommen vom Boden, und ohnehin haben wir schon viele Dinge, die den Boden einnehmen. Manchmal ist es schön, einen Raum stattdessen von der Decke aus zu strukturieren.

Design, das Menschen zusammenbringt: Faktum Design

Mit der Marke verember verwandelt Faktum Design Feuerstellen in außergewöhnliche Designobjekte für den Außenbereich. Die in Brünn entwickelten Entwürfe verbinden klare Geometrien, hochwertige Materialien wie Cortenstahl und Edelstahl sowie präzise Handwerkskunst zu langlebigen Begleitern für Garten und Terrasse. Dabei spenden die Feuerstellen nicht nur Wärme, sondern schaffen einen Ort für Begegnung, Gespräche und gemeinsame Momente. Mit ihrer reduzierten Formensprache und durchdachten Konstruktion zeigen sie, wie funktionales Design Atmosphäre schaffen und den Außenraum auf besondere Weise bereichern kann.

Nachhaltig spielen: TOTEMO

Das tschechische Label TOTEMO entwickelt modulare Kreativbaukästen, die Spiel, Gestaltung und Lernen miteinander verbinden. Die langlebigen Elemente werden aus recycelten Materialien gefertigt und gemeinsam mit Pädagog:innen und Psycholog:innen entwickelt. So entstehen Spielwelten, die Kreativität, Selbstvertrauen und freies Entdecken fördern – nachhaltig produziert und für viele Jahre gedacht.

Poesie aus Papier: PORIGAMI

Hinter PORIGAMI steht die Architektin Tereza Hradilková, die aus schlichten Bögen einzigartige Kunstwerke erschafft. Mit Laser-Schnitt und handgefertigten Stempeln verwandelt sie Papier in poetische Objekte, inspiriert von der japanischen Kunst des GAMI. Ihre Arbeiten sind zeitlose Stücke, die die Schönheit des Materials feiern und zeigen, wie filigran Design sein kann.

Mode mit Seele: Eiri

Das Label Eiri, gegründet von Klára Holanová, steht für zeitlose Mode mit klaren Silhouetten, die sowohl minimalistisch als auch skulptural wirken können. Die für die Marke charakteristischen gedeckten Farben und faszinierenden Materialtexturen verleihen den Kleidungsstücken ein Gefühl von Poesie, Geheimnis und Spannung. Die Materialien werden hauptsächlich aus Japan, aber auch aus Italien und der Tschechischen Republik bezogen, wobei die Qualität für die Marke von entscheidender Bedeutung ist. Eiri versteht Mode als Geschichtenerzählerin – jedes Kleidungsstück soll in Resonanz mit der Persönlichkeit der Träger:innen treten.

Luxury Space Punk: Lucie Marková

Mit ihrem unverwechselbaren Stil zwischen Minimalismus, Surrealismus und Sci-Fi prägt Lucie Marková die tschechische Modeszene. Sie selbst beschreibt ihn als „Luxury Space Punk“. Seit 2024 arbeitet sie verstärkt an digitalen Mustern und künstlerischen Projekten, die Mode als Ausdruck innerer Schönheit verstehen. Nachhaltigkeit und Innovation gehen dabei Hand in Hand.

Feminine Stärke in klaren Linien: Josefina Bakošová

Die Designerin Josefina Bakošová verbindet feminine Eleganz mit markanten Schnitten und einem intuitiven Zugang zum Entwerfen. Ihre Kollektionen entstehen aus dem Wunsch heraus, Frauen im Alltag zu stärken und ihnen Kleidung zu bieten, die Bewegungsfreiheit ebenso selbstverständlich ermöglicht wie Selbstbewusstsein. Klare Formen, hochwertige Verarbeitung und eine künstlerische Handschrift verleihen ihren Entwürfen eine besondere Ausdruckskraft.

Familienlabel aus Tschechien: GRAZIA

GRAZIA ist ein tschechisches Familienlabel, das Frauen jeden Alters mit zeitlosen Entwürfen begleiten möchte. In kleinen Serien entstehen Kleidungsstücke aus hochwertigen Naturmaterialien wie Leinen und Seide, gefertigt mit großer Sorgfalt in lokalen Manufakturen. Nachhaltigkeit, ein ressourcenschonender Zero-Waste-Ansatz und ehrliche Handarbeit stehen dabei ebenso im Mittelpunkt wie das Ziel, Kleidung zu schaffen, die Komfort, Eleganz und Individualität miteinander verbindet.

Maßgeschneiderte Nachhaltigkeit: Mikela da Luka

Das Label Mikela da Luka zeigt, wie eng Nachhaltigkeit und Individualität verbunden sein können. Die Designerin begann mit grafischen T-Shirt-Entwürfen und führt heute ein Modelabel für Damen, Herren und Kinder. Gefertigt wird ausschließlich in kleinen Werkstätten aus regionalen Stoffen. Das Ergebnis: zeitlose Mode mit klaren Schnitten, individuellen Drucken und langlebigen Materialien.

RUND Biomodular Design

Mit RUND Biomodular Design zieht ein Label auf die BLICKFANG ein, das Design buchstäblich wachsen lässt. Gegründet von Max und Andy in Berlin, entwickelt das Studio modulare Möbel und Interior-Objekte aus Myzel und industriellen Reststoffen. Statt klassischer Produktion steht hier ein biologischer Wachstumsprozess im Mittelpunkt.

Das Material basiert auf Zunderschwamm-Myzel und Hanfresten und bildet einen vollständig biologisch abbaubaren Verbundwerkstoff, der leicht, schallabsorbierend und überraschend robust ist. Aus diesem lebendigen Material entstehen Sitzmöbel, Akustikpaneele und weitere Objekte, die Forschung, Handwerk und zeitgenössische Gestaltung miteinander verbinden.

RUND denkt Material vom Ursprung her neu und zeigt, wie Kreislaufwirtschaft nicht nur funktional, sondern auch ästhetisch überzeugend sein kann. Das Label bewegt sich an der Schnittstelle von Architektur, Interior Design und Materialinnovation – und eröffnet neue Perspektiven auf die Zukunft des Wohnens.

Wontek

Das Warschauer Label Wontek, gegründet 2025 vom Designer Staś Stupkiewicz, verbindet traditionelle Webkunst mit digitaler Fertigung. Inspiriert von den Mustern, Farben und Texturen handgewebter Stoffe versteht das Studio den 3D-Druck als eine zeitgenössische Form des Webens: Schicht für Schicht entstehen ornamentale Oberflächen, die zugleich präzise und überraschend lebendig wirken.

Zum Sortiment gehören individuell konfigurierbare Leuchten und Wohnobjekte, die vollständig in Warschau entworfen und gefertigt werden. Charakteristisch ist das Zusammenspiel von handwerklicher Inspiration, spielerischer Ornamentik und maschineller Präzision. So entstehen Objekte, die vertraut wirken und dennoch eine ganz neue gestalterische Sprache sprechen.

Wontek zeigt eindrucksvoll, wie digitale Technologien traditionelle Gestaltungsideen weiterführen können – nicht als Ersatz des Handwerks, sondern als dessen kreative Weiterentwicklung.

Lena Gerscher: Frida – Konstruktion als Gestaltung

Mit Frida entwirft Lena Gerscher ein Regal, das seine Konstruktion bewusst offenlegt. Steckverbindungen und sichtbare Holzstrukturen prägen das Erscheinungsbild und verleihen dem Möbel eine klare, handwerkliche Ästhetik. Das modulare System erlaubt flexible Anordnungen und macht Frida anpassbar an unterschiedliche Nutzungsszenarien. Farbige oder grafische Einsätze setzen dabei gezielte Kontraste und erweitern das Regal um eine visuelle Ebene zwischen Funktion und Inszenierung. So entsteht ein Möbel, das sich zwischen Ordnungssystem und Ausstellungsfläche bewegt – reduziert, wandelbar und präzise.

Kevin Chrzanowski: Ein Möbel für Generationen – „UNI“

Mit dem Schaukelpferd „UNI“ hinterfragt Kevin Chrzanowski die kurze Lebensdauer klassischer Kindermöbel. Sein Entwurf begleitet Kinder beim Aufwachsen und bleibt auch danach Teil des Zuhauses. Gefertigt aus massivem Eschenholz, verwandelt sich das Schaukelpferd später in einen Hocker oder ein skulpturales Möbelstück. Klare Linien, hochwertige Materialien und eine langlebige Gestaltung machen „UNI“ zu einem Designobjekt, das weit über seine ursprüngliche Funktion hinausgeht.