Manchmal braucht ein Raum eine Grenze. Allerdings keine, die unverrückbar festlegt, wie er genutzt werden soll. Eine klassische Wand schafft Schutz und Ruhe, nimmt einem Raum aber häufig auch Licht, Weite und Verbindung. Genau in diesem Spannungsfeld arbeitet Lamellenwerk.

Die Idee entstand aus einer konkreten Anfrage. Ein Architekt suchte nach einem Sichtschutz, dessen Lamellen sich gemeinsam drehen lassen. Thomas Feichtlbauer entwickelte dafür einen patentierten Drehbeschlag, der alle Lamellen mit nur einem Handgriff oder motorisiert synchron bewegt. Diese Technik ist aktuell einzigartig am Markt. Für die Holzelemente und das Materialwissen suchte Feichtlbauer anschließend einen erfahrenen Schreiner und traf auf Andreas Greive.

Offen bleiben und trotzdem Rückzug finden

Offene Grundrisse wirken großzügig und verbinden unterschiedliche Lebensbereiche miteinander. Im Alltag zeigt sich jedoch schnell, dass Offenheit allein nicht immer genügt. Im Homeoffice fehlt die Ruhe für ein vertrauliches Gespräch, zwischen Wohnraum und Küche entsteht der Wunsch nach zeitweiliger Abgrenzung oder im Bad soll die Aussicht erhalten bleiben, während der Raum zugleich vor Einblicken geschützt wird.

Die drehbaren Lamellen reagieren auf genau diese Situationen. Je nachdem, in welchem Winkel sie stehen, verbinden oder trennen sie Bereiche, geben den Blick frei oder filtern ihn. Dabei entsteht keine Wand im klassischen Sinn, sondern ein bewegliches Element, das sich an unterschiedliche Bedürfnisse anpassen kann.

Wie vielseitig dieses Prinzip funktioniert, zeigt ein Café in Graz. Dort trennt eine Lamellenwand ein Separee vom übrigen Gastraum. Tagsüber stehen die Lamellen offen, sodass beide Bereiche als zusammenhängender Raum wahrgenommen werden. Finden Besprechungen oder geschlossene Veranstaltungen statt, werden sie gedreht und schaffen eine geschützte Zone. Der Raum verändert seine Funktion, ohne seinen ursprünglichen Charakter zu verlieren.

Ähnliche Lösungen entstehen in Wohnungen, Büros, auf Galerien oder im Außenbereich. Für das Team von Lamellenwerk liegt darin die besondere Qualität des Systems: Ein Raum muss sich nicht endgültig zwischen Offenheit und Geborgenheit entscheiden, sondern kann je nach Situation beides bieten.

Den Ausblick bewahren

Der Leitsatz von Lamellenwerk lautet „rotate your view“. Er beschreibt nicht nur die Bewegung der Lamellen, sondern auch die Möglichkeit, einen Raum immer wieder aus einer neuen Perspektive zu erleben.

Im Chiemgau wird dieser Gedanke besonders greifbar. Viele Häuser öffnen sich zur Landschaft und leben vom Blick auf Berge, Wiesen und Weite. Wer einen Raum abtrennen möchte, will diese Verbindung meist nicht verlieren. Eine leicht gedrehte Lamelle kann Einblicke verhindern, während der Ausblick erhalten bleibt. Gleichzeitig fällt das Licht je nach Stellung anders in den Raum und verändert dessen Stimmung.

So reagiert derselbe Raum auf den Rhythmus des Tages und auf die Bedürfnisse seiner Bewohnerinnen und Bewohner, statt dauerhaft eine einzige Nutzung festzulegen.

Gemeinsame Werte, gemeinsame Vision 

Seit jeher steht die BLICKFANG für sorgfältig kuratierte Designlabels, für den direkten Austausch zwischen Gestalter:innen und Publikum – und für eine bewusste Alternative zum Massenmarkt.  

H.O.M.E. versteht sich als Magazin für Menschen, die Gestaltung als Haltung begreifen. Als Leitmagazin für zeitgemäßes Wohnen liefert H.O.M.E. Competence Content im Kontext des modernen Lifestyle-Universums: exzellente Expertise, Gespür für Zeitgeist und Leidenschaft für Storytelling. Tiefgreifende Porträts über internationale Design-Ikonen, Home-Storys aus den Metropolen der Welt und umfassende Reportagen zu globalen Design-Trends machen H.O.M.E. zum Schaufenster für inspirierende Gestaltungskonzepte. 

„Die Zusammenarbeit mit H.O.M.E. ist für uns ein konsequenter Schritt“, sagt Dieter Hofmann, Geschäftsführer der BLICKFANG. „Wir teilen die gleiche Begeisterung für Design und für Produkte mit Substanz. Diese Partnerschaft ist mehr als Medienpräsenz – sie ist ein inhaltlicher Schulterschluss.“ 

Auch seitens H.O.M.E. wird die Kooperation als inhaltliche Synergie verstanden:  
H.O.M.E. schafft Verbindungen – zwischen Kreativen und Marken, zwischen Branchentrends und Konsument:innen, zwischen Inspiration und Umsetzung. „Wir freuen uns, den Besucherinnen und Besuchern der BLICKFANG Messen mit unseren Inhalten die Design-Inspiration liefern können, mit der sie das eigene Zuhause kreativ gestalten können“, erklärt Christine Zeine, verantwortlich für Kommunikation & Marketing bei H.O.M.E. 

Mehr Sichtbarkeit für unabhängige Labels 

Im Rahmen der Partnerschaft plant H.O.M.E. die BLICKFANG zu begleiten – mit Bildern von den Veranstaltungen, ausgewählten Designstücken und von den Menschen hinter den Marken. Für die BLICKFANG bedeutet das: zusätzliche Sichtbarkeit in einer designaffinen Community, die Wert auf Qualität, Individualität und Nachhaltigkeit legt. Für H.O.M.E. eröffnet sich der direkte Zugang zu einer lebendigen Szene, die Gestaltung nicht nur denkt, sondern lebt.   

Eine Einladung zur Begegnung 

Die Partnerschaft ist ein klares Bekenntnis zur Relevanz von unabhängiger Gestaltung – und zur Bedeutung von Plattformen mit Anspruch, die kuratieren statt konsumieren.  

Wir freuen uns auf das gemeinsame Jahr mit H.O.M.E. als Hauptmedienpartner und auf viele inspirierende Begegnungen – auf der Messe, im Magazin und darüber hinaus. Wer sich vor der BLICKFANG noch die aktuellen Design-Trends holen möchte, kann sich jetzt das kostenlose E-Paper der H.O.M.E. sichern!  

Ein Designklassiker in BLICKFANG Magenta

Zum 30. Geburtstag der BLICKFANG Zürich erhält der ikonische Rowac-Schemel eine neue Farbe. Das kräftige BLICKFANG Magenta trifft auf die sachliche, industrielle Form des Klassikers und macht ihn zu einem besonderen Jubiläumsstück. Mit der Sonderedition begegnet ein zeitloser Designklassiker der charakteristischen Farbe der BLICKFANG und bekommt damit einen ganz neuen Auftritt.

Doch der Rowac-Schemel ist nicht nur ein Sammlerstück für Designliebhaber:innen: Er wird auch unsere neue BLICKFANG Lounge ausstatten und damit bei kommenden Veranstaltungen Teil des Messeerlebnisses sein. So wird aus dem Jubiläumsdesign ein Möbelstück, das Menschen zusammenbringt und im Alltag zeigen kann, wie zeitlos gutes Design ist.

Es beginnt mit einem Garten in Südserbien, mit Nachmittagen bei der Großmutter und den Stoffen und Garnen im Atelier der Mutter. Für Biljana Rachenzentner sind diese Erinnerungen bis heute eng mit dem verbunden, was sie unter Mode versteht: Nähe, Qualität, Zeit und die Dinge, die von einer Generation an die nächste weitergegeben werden.

Mit ihrem Wiener Label VUUNA übersetzt sie diese persönlichen Erfahrungen in zeitgenössische Mode. Handgestrickte Pullover entstehen nicht in Eile, sondern über viele Stunden hinweg, Masche für Masche. Kleine Unregelmäßigkeiten bleiben sichtbar und machen jedes Stück zu einem Unikat. Tradition wird dabei nicht konserviert, sondern weitergedacht: mit modernen Schnitten, einem Gespür für Materialien und dem Wunsch, Kleidung zu entwerfen, die nicht nur eine Saison lang gefällt.

Im Gespräch erzählt Biljana, warum sie sich bewusst gegen schnelle Trends entscheidet, was sie am „Unperfekten“ liebt und weshalb ein Kleidungsstück manchmal weit mehr sein kann als das, was man am Körper trägt.

Du erzählst von den Nachmittagen im Garten deiner Großmutter und vom Atelier deiner Mutter. Welche Erinnerungen aus dieser Zeit sind dir bis heute geblieben?

Die schönsten Nachmittage im Garten meiner Oma und die Liebe meiner Eltern, gemeinsam mit den Momenten im Atelier meiner Mutter, sind Erinnerungen, die mir bis heute besonders viel bedeuten. Sie haben mich tief geprägt und verbinden mich mit der Natur, dem Respekt für Menschen und der Wertschätzung von Qualität, Tradition und Langlebigkeit.

Deshalb sind auch die VUUNA Produkte tief emotional, hochwertig und zeitlos, wie die Nachmittage im Garten meiner Oma und die Momente im Atelier meiner Mama. Übrigens meine Mama ist jetzt 74 und führt nach wie vor gemeinsam mit meinem Papa ihr Atelier in Serbien. Ich bin so Stolz darüber!

Wann wurde aus dieser persönlichen Verbindung zu Stoffen und Handarbeit die Idee, mit VUUNA ein eigenes Label zu gründen?  

Ich habe immer gewusst, dass Mode mein Beruf wird. Es war nur eine Frage der Zeit.

Wie entsteht ein neues VUUNA-Modell? Beginnt die Idee eher mit einer bestimmten Form, einem Garn oder einer Farbe?

Ich designe nach Gefühl und dem passenden Schnitt. Für mich beginnt ein neues Modell nicht mit einem Trend, sondern mit einer Idee und dem Gefühl für eine bestimmte Form. Wenn ich designe, gebe ich einem Design immer auch etwas von meiner Lebensphase, eine Persönlichkeit oder eine Message mit. So kann sich die Person, die ihn trägt, damit identifizieren und ihn auf ihre eigene Art und Weise tragen.

Ich möchte, dass meine Stücke lang noch gerne getragen werden. Mit der richtigen Pflege können sie lange erhalten bleiben.

Eure Wolle kommt aus Südafrika, warum habt ihr euch genau für diese Wolle entschieden?  

Ich bin immer auf der Suche nach hoher Qualität und geprüften Materialien. Diese Wolle hat uns bis jetzt mit ihrer Qualität und ihren Eigenschaften überzeugt. 

Was ist die größte Herausforderung, wenn traditionelle Handarbeit mit einem modernen Kleidungsstück zusammenkommen soll?

Für mich ist die größte Herausforderung, traditionelle Handarbeit in ein modernes Design zu bringen und dabei zeitlos zu bleiben. Etwas zu schaffen, das im Jetzt funktioniert und trotzdem lange schön bleibt, genau das ist für mich Kunst.

Wenn du an die Zukunft von VUUNA denkst: Welche Idee, Technik oder Materialkombination möchtest du unbedingt noch ausprobieren?

Ich würde gerne Wollstoff mit Handstrick kombinieren. Aber ich bin offen für Neues und mache mir Gedanken darüber, die Produktpalette zu erweitern. Alles aber step by step!!

Und zum Schluss ganz persönlich: Gibt es ein Kleidungsstück, das du selbst seit Jahren trägst und mit dem du eine besondere Erinnerung verbindest?

Ja, mehrere! Aber mein Lieblingsstück ist eine rote Seidenbluse, die meine Mama selbst genäht hat.

Was mich besonders glücklich und stolz macht, dass meine 23-jährige Tochter auch mit einer Seidenbluse von ihrer Oma (meine Mama) kommt und sagt: „Schau, was ich von der Oma bekommen habe!“ Dann kombiniert sie sie mit einer Jeans oder Hose und trägt einen VUUNA Pullover dazu. Sie inspiriert mich voll und so wird die Tradition von meiner Mama über mich an meine Tochter weitergegeben. Ist das nicht cool und schön.

Die Idee für ÉTAUDORÉ entstand aus einer ganz persönlichen Suche. Auf der Suche nach besonderen Möbelstücken für ihr eigenes Zuhause besuchte Anna Designmessen in der Schweiz und in Polen. Dort begegnete sie Handwerker:innen, deren Arbeit sie nachhaltig beeindruckte. Was mit einigen wenigen Stücken für die eigene Wohnung begann, entwickelte sich nach und nach zu einer kuratierten Kollektion, die heute gemeinsam mit ausgewählten Partnerwerkstätten entsteht.

Für Anna geht es dabei um mehr als Form und Ästhetik. Qualität, langlebige Materialien und die Geschichten hinter den einzelnen Stücken sind ihr ebenso wichtig wie die Frage, wie ein Möbelstück tatsächlich in das Leben der Menschen passt, die mit ihm leben.

Im Interview erzählt sie, wie die verschiedenen Orte, an denen sie gelebt hat, ÉTAUDORÉ geprägt haben, warum ihr eigenes Zuhause der bessere Showroom ist und wie aus persönlichen Ideen in Zusammenarbeit mit Kund:innen und Handwerker:innen neue Möbelstücke entstehen.

Anna, du hast einen Hintergrund in Elektrotechnik, Data Science und AI Product Management. Wie bist du von dieser Welt zu Möbeln und Design gekommen?

Du bist in Polen aufgewachsen, hast in Schottland und den USA gelebt und bist heute in der Schweiz zu Hause. Wie prägen diese verschiedenen Orte ÉTAUDORÉ?

Ich bin sehr oft umgezogen, nicht nur zwischen verschiedenen Ländern, sondern auch innerhalb einzelner Länder. Jeder Umzug war eine Gelegenheit, einen Raum wieder ganz von vorne zu gestalten. Ich glaube, das hat meine Liebe zu Interiors und Möbeln stark geprägt.

Natürlich bringt jedes Land auch seine eigenen ästhetischen Einflüsse mit. Vier Jahre in Edinburgh haben mich beispielsweise für Tradition und historische Architektur sensibilisiert. Die Architektur dort ist unglaublich. Die mittelalterliche Altstadt mit ihren jahrhundertealten Steingebäuden kann sich immer noch so anfühlen, als würde man 300 Jahre in der Zeit zurückreisen. Es hat etwas sehr Beeindruckendes, von Materialien und handwerklichen Arbeiten umgeben zu sein, die über Jahrhunderte Bestand hatten. Dadurch entwickelt man eine Wertschätzung für Dinge, die den Test der Zeit bestehen. Ich glaube, das führt ganz natürlich zu einer Liebe für Möbel aus Massivholz und Stahl, die über Generationen weitergegeben werden können.

Polen steht für mich für einen starken Unternehmergeist. Viele Menschen gründen dort ihre eigenen Marken und Werkstätten, und handwerkliche Traditionen werden oft über Generationen weitergegeben. Gleichzeitig gibt es eine große Liebe zum Detail.

Die Schweiz hat mich auf eine andere Weise geprägt. Das Leben hier hat meine Wertschätzung für Präzision, Qualität und eine gewisse Zurückhaltung im Design verstärkt. Dinge müssen nicht laut sein, um schön zu sein. Gleichzeitig gibt es eine starke Verbindung zur Natur. Die Berge, Seen und wechselnden Jahreszeiten sind ständig präsent. Ich glaube, auch das beeinflusst die Materialien, Farben und die Ruhe, die ich in Interiors suche.

Diese drei Einflüsse kommen bei ÉTAUDORÉ zusammen.

Wie entstehen die Designs bei ÉTAUDORÉ?

Es ist eine Mischung. Manche Stücke kommen direkt von unseren Handwerker:innen und werden Teil der Kollektion. Andere Designs entwickeln wir selbst und lassen sie anschließend von unseren Partner:innen produzieren. Wir haben beispielsweise eigene Esstische, einen Couchtisch und sogar einen Tisch für Brett- und Kartenspiele entwickelt. Bei einigen Projekten arbeiten wir außerdem mit anderen Designer:innen oder Interior Creatives zusammen.

Das Spannende ist, dass sich aus einer individuellen Idee manchmal ein Produkt für die Kollektion entwickelt. Ein gutes Beispiel ist unser organisch geformter Esstisch mit passender Bank, den wir gemeinsam mit der in der Schweiz ansässigen Interior Creatorin Raquel von @ourwabisabihome entwickelt haben. Irgendwann haben wir gemerkt, dass die Stücke so interessant sind, dass sie auch für andere Menschen funktionieren könnten. So wird aus einem individuellen Projekt ein reguläres Produkt, das weiterhin auf Bestellung gefertigt wird.

Deine Wohnung in Thalwil ist gleichzeitig dein Showroom. Wie kam es dazu?

Etwa ein Jahr nach der Gründung von ÉTAUDORÉ zog ich in eine neue Wohnung. Sie war komplett leer und bot mir damit die perfekte Gelegenheit, wieder ganz von vorne anzufangen.

Der große Wohn- und Essbereich befindet sich im Erdgeschoss. Ich habe die Erlaubnis der Eigentümerin bekommen, dort das Unternehmen anzumelden und nach Terminvereinbarung Kund:innen und Interior Designer:innen zu empfangen.

Für mich ist es eine Mischung aus Zuhause und Showroom. Eigentlich würde ich sagen: Wir laden Menschen in unser Zuhause ein. Wir leben hier ganz normal. Meine Katzen schlafen beispielsweise auf dem Daybed hinter mir. Wir behandeln die Möbel also nicht so, als dürften sie eigentlich nicht benutzt werden.

Und genau das finde ich spannend: Besucher:innen sehen, wie die Möbel tatsächlich im Alltag genutzt werden. Nicht nur, wie sie in einem perfekt inszenierten Showroom aussehen.

Du entwickelst auch viele Stücke gemeinsam mit Kund:innen oder anderen Designer:innen. Wie entstehen diese Kooperationen?

Oft ganz zufällig. Noemi Gwalter Rubino hat uns beispielsweise über Instagram entdeckt. Sie schrieb mir, dass sie einen Tisch im Kopf hatte, den sie nirgendwo finden konnte. Wir haben dann gemeinsam die Details ausgearbeitet, unter anderem die Position der Tischbeine. Ein paar Monate später war der Tisch fertig und wurde schließlich Teil unserer Kollektion.

Ähnlich war es mit Raquel. Wir haben uns zunächst über Instagram kennengelernt und die Arbeit der jeweils anderen verfolgt. Irgendwann schrieb sie mir, dass es ihr Traum sei, einen Tisch von Grund auf selbst zu entwerfen. Ich habe einfach gesagt: Wenn du das machen möchtest, melde dich. Und irgendwann hat sie es getan.

Ich liebe diese persönlichen Verbindungen. Oft entsteht ein neues Möbelstück aus einem ganz konkreten Bedürfnis: Jemand sucht etwas, findet es nicht und entwickelt es dann gemeinsam mit uns.

Ich arbeite außerdem viel mit Frauen und von Frauen geführten Unternehmen. Mein anderer Beruf im AI Product Management und in der Finanzbranche ist stark männerdominiert. Deshalb genieße ich diese andere Form der Zusammenarbeit besonders.

Du hast auch mit Analia von Spaces for Life Interiors zusammengearbeitet. Wie ist der Lianna Side Table entstanden?

Analia ist Interior Designerin und hat bei vielen ihrer Projekte einen bestimmten Tisch vermisst: einen vielseitigen Beistelltisch, der höher als ein Couchtisch ist und sich sowohl für die Arbeit am Laptop als auch für eine Kaffeepause eignet.

Sie hatte eine klare Vorstellung davon, was sie suchte, konnte aber auf dem Markt nichts finden, das ihren Anforderungen wirklich entsprach. Anstatt Kompromisse einzugehen, beschlossen wir deshalb, den Tisch gemeinsam zu entwerfen. So entstand der Lianna Side Table.

Ich mag solche Kooperationen sehr, bei denen aus einem ganz konkreten Bedürfnis ein neues Möbelstück entsteht. Den Lianna Side Table werde ich bei der BLICKFANG Zürich in verschiedenen Massivholzvarianten zeigen. So können Besucher:innen sehen, wie das Design mit unterschiedlichen Holzoberflächen wirkt.

Serge:  Ich habe 35 Jahre an der Zürcher Hochschule der Künste unterrichtet. 2006 stellten sich Christian und ich die Frage, wie eine dicke Leiste doppelt gekrümmt werden kann – für eine Chaiselongue oder Liege. Verfahren wie Dampfbiegen oder Schichtverleimen waren in dieser Dimension für uns nicht möglich. Deshalb haben wir auf Experimente zurückgegriffen, die ich schon früher gemacht hatte: Einschnitte in Holz, die das Material gezielt schwächen und dadurch beweglich machen.
Wir haben das mit verschiedenen Holzwerkstoffen weiterentwickelt und sind schnell auf spannende Ergebnisse gestoßen. Ursprünglich ging es also gar nicht darum, ein neues Verfahren zu entwickeln. Es war vielmehr ein Experiment, das uns neugierig gemacht hat.

Nach den ersten zwei Jahren mit eingeschnittenen Holzstreifen kam dann eine weitere Entdeckung dazu: Wir haben die Streifen aneinander geschoben und festgestellt, dass sich daraus eine ganz andere Art von Schnittmuster ergibt. Mit einer kleinen Fräsmaschine konnten wir schließlich ganze Platten perforieren und damit flexibilisieren. Daraus entstand ein Forschungsprojekt, bei dem wir unter anderem die akustischen Eigenschaften entdeckt haben. Das führte später dazu, dass wir einen Konzertsaal an der Zürcher Hochschule der Künste mit dem Material auskleiden konnten. Das war unser eigentlicher Einstieg in die Akustik.

Was verändert sich gestalterisch, wenn Holz plötzlich nicht mehr starr ist, sondern sich biegen und verformen lässt?

Pablo: Es ergeben sich sehr viele neue Möglichkeiten. Je nach Einschnitt lässt sich das Holz sogar sphärisch verformen. Dabei hat es natürlich immer eine gewisse Eigenspannung, mit der man umgehen muss. Wir können diese teilweise aufheben, indem wir das Material beispielsweise mit heißem Wasser oder Dampf bearbeiten und anschließend in Form trocknen lassen.

Gleichzeitig geht es nicht nur um die Verformbarkeit. Durch die Einschnitte wird das Holz auch durchlässig für Licht, Luft und Schall. Mit diesen Eigenschaften zu spielen, bringt uns immer wieder auf neue Lösungen.

Natürlich gibt es auch Herausforderungen. Bei zu starker Belastung oder wenn man das Material überbiegt, kommt es an seine Grenzen. Wenn man diese Eigenschaften aber von Anfang an mitdenkt, kann man erstaunlich weit gehen.

Wie wichtig sind dabei Licht, Transparenz und Akustik für eure Gestaltung?

Serge: Sehr wichtig. Die akustischen Eigenschaften waren für uns selbst eine große Überraschung. DUKTA kann sowohl absorbieren als auch diffundieren, und das lässt sich über die Gestaltung des Materials steuern. Wenn es gewellt verbaut wird, kann es beispielsweise verschiedene Frequenzbereiche sehr gleichmäßig absorbieren. Dies konnten wir durch Messungen an EMPA (Eidg. Materialprüfungsanstalt) belegen.

Aber auch Licht und Luft spielen eine große Rolle. Durch die vielen Einschnitte entsteht eine ganz andere Oberfläche und damit eine andere räumliche Wirkung. Das Material bekommt eine gewisse Durchlässigkeit, die bei Raumteilern, Leuchten oder architektonischen Anwendungen interessant wird.

Und es gibt noch eine Eigenschaft, die man auf den ersten Blick vielleicht gar nicht erwartet: Holz nimmt Feuchtigkeit auf und gibt sie wieder ab. Durch die vielen Einschnitte wird seine Oberfläche enorm vergrößert. Dadurch kann DUKTA auch zur Regulierung des Raumklimas beitragen.

Welche Holzarten und Holzwerkstoffe verwendet ihr für DUKTA – und wonach entscheidet ihr, welches Material zum Einsatz kommt?

Pablo: Wir arbeiten hauptsächlich mit Birken-Sperrholz, MDF und Dreischichtplatten. Birken-Sperrholz ist sehr stabil und lässt sich auch gut nass verformen. MDF ist homogener, dadurch können wir sehr sauber schneiden. Außerdem lässt es sich durchfärben und ist preislich interessant, gerade bei größeren Formaten. Je nachdem, was wir mit dem Material machen wollen, hat also jedes seine eigenen Vorteile.

Entsteht die Idee für ein neues Produkt eher aus dem Material oder aus einer konkreten Anwendung?

Serge: Beides. Oft kommt eine konkrete Fragestellung von Architekt:innen oder anderen Partnern. Dann geht es um ganz bestimmte physikalische Eigenschaften, aber natürlich spielt auch die Ästhetik eine große Rolle.

Bei einem Projekt in einem Krankenwohnheim in Basel sollte beispielsweise die gesamte Lüftung unsichtbar integriert werden. Dafür wurde der oberste Meter der Räume mit DUKTA realisiert. Hinter dem Material konnten die technischen Anlagen verschwinden. Gleichzeitig musste natürlich geprüft werden, ob ausreichend Luftzirkulation stattfindet.

Das Schöne ist, dass sich solche Anforderungen gegenseitig beeinflussen: Die technischen Parameter müssen funktionieren, gleichzeitig soll die Gestaltung stimmen. Genau in diesem Zusammenspiel entstehen oft neue Lösungen.

Was reizt euch an der Zusammenarbeit mit Architekt:innen und anderen Partnern?

Serge: Wir sind nur zu zweit und haben eine kleine Holzwerkstatt. Die eigentliche Produktion findet deshalb bei größeren Unternehmen statt. Unsere Partner im In- uns Ausland haben Maschinen und Möglichkeiten, die wir selbst nicht haben. Wir entwickeln im Kleinen, und ab einem bestimmten Punkt geht es darum, herauszufinden, wie sich eine Idee auch wirtschaftlich auf größeren Maschinen umsetzen lässt.

Das ist ein spannender Dialog. Wir kommen mit einer Fragestellung oder einem neuen Schnittmuster und unsere Partner bringen ihre Erfahrung und technischen Möglichkeiten ein.

Dass DUKTA heute auch bei großen internationalen Projekten eingesetzt wird, funktioniert genau über dieses Netzwerk. In den USA und Kanada arbeiten wir beispielsweise mit einem Produzenten zusammen, der dort grosse Architekturprojekte plant und realisiert. So entstehen Anwendungen, an die wir mit unserer kleinen Struktur allein gar nicht herankommen würden.

Gibt es ein Projekt, bei dem ihr selbst überrascht wart, was mit DUKTA plötzlich möglich wurde?

Pablo: Eigentlich sind es genau diese Zufälle, die uns bis heute begleiten. Ein schönes Beispiel ist die Akustik. Wir haben zunächst mit der Flexibilität experimentiert und dabei eher zufällig entdeckt, welche akustischen Eigenschaften das Material hat. Daraus entstand schließlich die Anwendung im Konzertsaal der Zürcher Hochschule der Künste.

Auch bei neuen Schnittmustern wissen wir oft zunächst nicht, was daraus entstehen wird. Wir probieren etwas aus, und irgendwann stellt sich heraus: Dafür gibt es eine Anwendung. Diese spielerische Forschung ist eigentlich bis heute unser wichtigster Motor.

Welches DUKTA-Produkt würdet ihr jemandem zeigen, der das Material zum ersten Mal sieht?

Pablo: An der BLICKFANG zeigen wir dieses Jahr, neben den bisherigen Leuchten, auch ein neues Modell aus farbigem MDF. Es kann sowohl als Hängeleuchte als auch als Stehleuchte verwendet werden und lässt sich gut auseinandernehmen. Dadurch kann man sie platzsparend verpacken und verschicken.

Für uns ist das interessant, weil das Verfahren aufwendig ist: Das Fräsen und die anschließende Behandlung brauchen Zeit. Deshalb suchen wir nach kleinen, simplen und cleveren Produkten, bei denen der Aufwand und der Preis in einem guten Verhältnis bleiben. Und gleichzeitig soll natürlich genau das sichtbar werden, was DUKTA ausmacht: Man sieht ein Stück Holz und merkt plötzlich, dass es sich ganz anders verhält, als man erwartet hätte.

Was wäre, wenn Sitzen nicht automatisch Stillhalten bedeuten würde? Bei MOWO entwickelt Lisa Stolz Hocker aus elastischem Holz, die kleine Bewegungen des Körpers aufnehmen und selbst in Bewegung bleiben. Je nach Modell kann man darauf wippen, schwingen und die Sitzposition wechseln – ein bisschen wie auf einem Gymnastikball, nur aus Holz.

Lisa hat Architektur studiert und zunächst in einem Architekturbüro gearbeitet. Heute lebt und arbeitet sie in Wien und widmet sich ganz dem Möbeldesign. Für sie liegt der Reiz vor allem darin, Ideen unmittelbar ausprobieren und ihre Umsetzung selbst miterleben zu können. Im Gespräch erzählt sie, warum gerade Holz das richtige Material für ihre beweglichen Hocker ist, wie aus zwei geschwungenen Holzteilen ein stabiles Möbel entsteht und warum ein neuer Entwurf bei ihr zunächst oft im Kopf beginnt.

Lisa, wie würdest du MOWO jemandem erklären, der noch nie von euch gehört hat? Was ist an euren Hockern anders als an einem normalen Stuhl?

Du hast Architektur studiert. Was hat dich an Möbeln irgendwann mehr gereizt als an Architektur?

Ich habe längere Zeit an einem sehr großen Projekt gearbeitet, einem Krankenhaus. Bei solchen Projekten dauert es Jahre, bis etwas umgesetzt wird. In meinem Fall habe ich die Umsetzung sogar gar nicht mehr miterlebt, weil ich vorher schon wieder gegangen bin.

Meine Tätigkeit war außerdem sehr zeichnerisch und repetitiv. Ich habe zum Beispiel gefühlt tausend Zimmeransichten gezeichnet. Ich habe dadurch gemerkt, dass mir der eigentliche Designprozess fehlt und ich nicht genug selbst entwerfen konnte.

Im Möbeldesign ist das viel unmittelbarer. Die Entwicklungswege sind kürzer, man kann Prototypen selbst bauen und viel mehr mit den Händen und Materialien arbeiten. Gerade Holz liebe ich – wie es sich anfühlt, wie es sich bearbeiten lässt und welche Eigenschaften es mitbringt. Da konnte ich mich einfach kreativer ausleben.

Die Hocker sind sehr schlicht aufgebaut: Holz, geschwungene Formen und Schnüre. Wie entsteht daraus ein Möbel, das gleichzeitig stabil ist und sich bewegen lässt?

Das am einfachsten wirkende Design ist oft das schwierigste.

Die geschwungene Form ist dabei gar nicht entstanden, weil ich unbedingt etwas Kurviges machen wollte. Sie ergibt sich aus dem Ziel, Bewegung zu ermöglichen. Wenn man horizontale und vertikale Flächen mit einem rechten Winkel verbinden würde, hätte man einen extremen Belastungspunkt. Die geschwungene Form kann diese Kräfte viel besser ableiten.

Beim Hocker ergänzen sich die beiden Formen, sobald sie zusammen geschnürt werden, und bilden eine stabile Einheit. Nicht nur ein einzelner Bereich gibt nach, sondern die komplette Holzstruktur kann mitschwingen und die Kraft aufnehmen.

Die Schnur selbst ist übrigens nicht elastisch. Sie hält die beiden Holzteile lediglich zusammen und muss dafür sehr straff gespannt sein. Dafür habe ich einen speziellen Knoten entwickelt, der aus dem Segelbereich kommt. Damit lässt sich die Schnur festzurren und zusätzlich fixieren.

Wie findest du die richtige Balance zwischen Funktion und diesem spielerischen Gefühl?

Ich glaube, das ergibt sich bei den Hockern eigentlich aus der Bewegung selbst. Sie sollen natürlich funktionieren und beim Sitzen unterstützen, aber gleichzeitig macht es Spaß, sich darauf zu bewegen.

Das ist auch bei der Entwicklung immer wieder spannend. Man denkt, man kennt das Material inzwischen, aber sobald man einen neuen Prototypen baut und sich hineinsetzt, passiert etwas Unerwartetes. Gerade weil man nicht gewohnt ist, in einer Holzform zu sitzen, die sich gleichzeitig mit dem Körper bewegt.

Du arbeitest auch mit Physiotherapeut:innen und Osteopath:innen zusammen. Was hast du durch diese Zusammenarbeit gelernt?

Ich bin teilweise auf meine eigenen Physiotherapeut:innen zugegangen, teilweise habe ich Menschen über Events und mein Netzwerk kennengelernt. Zunächst bekommen sie einen Hocker für einige Wochen und geben mir danach Feedback.

Bei einem Punkt waren sich eigentlich alle einig: Bewegung beim Sitzen ist gut. Zu lange in derselben Position zu bleiben, ist auf Dauer nicht ideal – selbst wenn es sich um eine vermeintlich perfekte Sitzhaltung handelt. Der Körper braucht Bewegung und Positionswechsel.

Ein paar Physiotherapeut:innen fanden die Sitzfläche anfangs zu hart. Daraus sind dann auch die Sitzpolster entstanden. Wobei es auch Menschen gibt, die lieber ohne Polster sitzen. Das hängt wieder vom jeweiligen Körper und den persönlichen Vorlieben ab.

Besonders spannend waren Workshops mit einer Physiotherapeutin, die auch im Bereich Arbeitsmedizin tätig ist. Wir haben gemeinsam Übungen entwickelt, die man mit den Hockern am Arbeitsplatz machen kann. Dabei habe ich selbst noch viel über die Wirbelsäule und die physiologischen Zusammenhänge gelernt.

Was möchtest du mit MOWO in den nächsten Jahren noch ausprobieren?

Ich arbeite gerade an einem Lounge-Sessel. Dabei habe ich mich gefragt, wo ich das Prinzip des elastischen Holzes noch einsetzen kann. Ein Schaukelstuhl war natürlich eine naheliegende Idee, weil Bewegung auch beim entspannten Sitzen schön sein kann. Daraus ist dann die Überlegung entstanden, wie man dieses leichte Schwingen in einen Lounge-Sessel integrieren könnte.

Bei neuen Produkten beginnt der Prozess meistens in meinem Kopf. Wenn ich eine Idee habe, die mir gefällt, zeichne ich sie auf. Ich würde sagen, die Hälfte passiert im Kopf und die andere Hälfte im Skizzenbuch.

Danach schaue ich mir den Entwurf in 3D an, baue zuerst ein digitales Modell und dann kleine Modelle aus Papier oder Karton. Anschließend entstehen kleine Holzmodelle aus Furnieren. Damit kann ich ungefähr verstehen, wie sich die Form verhält und wie sich das Körpergewicht darauf ausbreiten könnte.

Wirklich verstehen kann man es aber erst mit einem 1:1-Prototypen. Gerade beim Lounge-Sessel war wieder vieles anders als bei den kleinen Modellen. Und genau das macht es so spannend: Man denkt, man kennt das Material inzwischen – und dann überrascht es einen doch wieder.

Kurz vor Schluss löst sich die große Schale von der Drehbank. Sie fliegt davon und zerbricht. Wochen an Arbeit sind verloren. Heinz Glatzl erzählt davon ohne Pathos. Es tue weh, sagt er, aber es gehöre dazu. Der Satz erklärt viel über seine Arbeit: Holz ist für ihn kein Werkstoff, den man vollständig beherrscht. Es ist ein Gegenüber, das Grenzen setzt, Entscheidungen erzwingt und manchmal widerspricht. 

Vor mehr als 25 Jahren gründete Glatzl gemeinsam mit Joachim Mayr das Wiener Architektur- und Innenarchitekturbüro Mayr & Glatzl. Vor rund elf Jahren gründeten die beiden das Formdepot, eine Wiener Handwerkerkooperative, in der Gewerke gemeinsam Projekte entwickeln und Wissen teilen. Das Drechseln begleitet ihn jedoch noch länger. Bereits als Jugendlicher arbeitete er mit Holz. Vor etwa zweieinhalb Jahren kehrte er zur Drehbank zurück, zunächst als Ausgleich zum Planen und Organisieren. Inzwischen hat diese Rückkehr einen Namen: ObjectsHG. 

Wie aus einem Stamm eine Holzschale wird 

Feuer macht raue Oberflächen weich 

Früher, erzählt Glatzl, galt ein Riss für ihn als Fehler. Das Holz sollte glatt, makellos und kontrollierbar erscheinen. Diese Vorstellung begrenzte nicht nur die Größe seiner Arbeiten. Sie machte das Drechseln auf Dauer auch vorhersehbar. Heute arbeitet er bewusst mit Abweichungen. Er strukturiert Oberflächen mit der Motorsäge, bürstet sie, behandelt Holz mit Eisenoxid oder setzt es der Flamme aus. 

Beim Verkohlen geschieht etwas Widersprüchliches: Die optisch wilde Oberfläche wird haptisch ruhiger. Das Feuer nimmt scharfe Grate zurück, rundet Kanten ab und lässt eine raue Struktur überraschend samtig wirken. Wie tief die Flamme ins Holz zeichnet, lässt sich beeinflussen, aber nicht vollständig vorhersagen. Glatzl prüft den Fortschritt deshalb mit den Händen. Sehen allein reicht nicht. Die Oberfläche muss sich richtig anfühlen. 

Architektur und Drechseln folgen derselben Frage 

Auf den ersten Blick wirkt diese Arbeit wie der Gegenpol zur Architektur: hier Feuer, Späne und Zufall, dort Pläne, Normen und präzise Abläufe. Für Glatzl liegt der Unterschied weniger weit auseinander. Sein Büro arbeitet viel mit Bestand, unter anderem bei Sanierungen, Ordinationen und Projekten im Hospitality-Bereich. Auch dort beginnt Gestaltung mit dem, was bereits vorhanden ist. Man öffnet, schaut hinein und reagiert auf Befunde, die kein Plan vollständig vorwegnehmen konnte. 

Diese Haltung zeigt sich auch im Refugium Lunz, das Mayr & Glatzl in Lunz am See als Eigenprojekt geplant und umgesetzt haben. Bei der Revitalisierung wurde tiefgreifend in den Bestand eingegriffen, ohne seine Geschichte zu glätten. Eine Stube von 1661, lange durch Einbauten verdeckt, kam dabei wieder zum Vorschein. Altes und Neues sollten nicht um Aufmerksamkeit konkurrieren, sondern einander lesbar machen. Heute stehen dort auch Glatzls Schalen. Nicht als Dekoration nach Abschluss des Projekts, sondern als kleine Fortsetzung derselben Idee im Raum.